I lettori del blog attenti ai dettagli e gli ekranoplani di Roberto Bartini

16 Nov

Giacobazzi, attento lettore e colonna portante della piccola comunità nata intorno al blog, in un commento alla recensione del nuovo album degli AC/DC chiede:

“Che differenza c’è tra TTT¼ e TTT+?”

Evidentemente deve aver notato che nelle mie bislacche recensioni il voto che do a volte è un TTT+, altre un TTT¼.

Io sorrido compiaciuto, avere lettori così è una meraviglia. Ammetto di essermi chiesto se qualcuno si sarebbe posto il quesito, se qualcuno si fosse dimostrato vigile sui dettagli come di solito lo sono io. Per questo Jacob è entrato di diritto nella Hall Of Fame dei lettori del blog. E a proposito, non vi sono differenze, il voto – in entrambi i casi – è uguale a 6,25. Invito tutti a bere il Souther Comfort di oggi alla salute del nostro Jacob: for those about details, we salute you!

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Sulla versione online di La Repubblica del 14 novembre è’ apparso un bell’articolo su Roberto Bartini, italiano d’Istria dalla vita incredibilmente avventurosa e genio assoluto. Scienziato e ingegnere di livello altissimo, collaborò con l’Unione Sovietica alla realizzazioni di aeroplani sensazionali. Convinto comunista pagò con la Siberia la sua schiettezza, ma non arretrò di un millimetro dalle sue convinzioni politiche malgrado le grandi sofferenze inferte da un regime che non riusciva a gestire e sopportare le critiche.

Invito coloro potenzialmente interessati a questo tipo di storie di prendersi dieci minuti e approfondire la conoscenza di questa immenso personaggio del secolo scorso.

https://rep.repubblica.it/ws/detail/generale/2020/11/14/news/il_genio_dei_mostri_volanti-273859299/?ref=RHTP-BH-I274053163-P11-S2-T1

https://it.wikipedia.org/wiki/Roberto_Oros_di_Bartini

ekranoplano di Bartini

il mostro del caspio

ekranoplano

Roberto Bartini da giovane

Avoir le blues en automne

15 Nov

Il blues di questo periodo svolazza intorno ai rimpianti: al mattino mi sveglio con l’impellente desiderio di scrivere, e naturalmente lo faccio, ma poi mi maledico per non aver cercato con maggiore determinazione una strada che mi permettesse di sopravvivere con l’unica cosa che mi viene naturale, l’unica dote attitudinale di cui può darsi io sia in possesso. Ho dedicato troppo tempo al rock, alla musica, senza ricavarne un bel nulla (e forse è giusto così), compromettendo il mio futuro professionale e quindi tutta la mia vita. Sono pensieri che inducono alla melancolia, financo ad una dolorabilità psichica o, per dirla alla Rocco Schiavone, “ad un gran rompimento di coglioni”. Cerco di non annoiare nessuno, ma qualcosa mi scappa con la pollastrella (che è talmente oberata da questi miei blues che prima o poi finirà col gettarmi fuori di casa), con Wlady ( amico musicista) e con Jaypee (figura insostituibile che mi fa da confidente ormai da 26 anni).

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AC/DC “Power Up” (Sony 2020) – TTT¼

13 Nov

Tornano gli AC/DC (addirittura in una delle formazioni storiche … naturalmente Steve Young è al posto di Malcom), un nuovo album per ridar vigore al rock di pancia di cui tutti – perlomeno in certi momenti – abbiamo bisogno. 12 nuovi pezzi tutti a nome Angus e Malcom Young, dunque generati da idee musicali di anni fa. Cosa aspettarci già lo sappiamo, un rock da strappa mutande che vada dritto all’urgenza primitiva che alberga dentro di noi, quella che ci induce alla trance innescata da un ritmo primario sempre uguale e da chitarre (meravigliosamente) concrete. Rock in senso stretto che non considera minimamente varianti articolate insomma. L’unico problema è rimanere credibili: dopo 16 album basati su un rock che volutamente tende a ripetere la stessa formula, riempire il diciassettesimo di brani che non siano l’esatta copia carbone dei precedenti è un’impresa.

Realize infatti non è un apertura particolare, non c’è una sfumatura diversa che sia una rispetto ai brani standard del passato. Rejection è più o meno sulla stessa linea, nessun accenno a linee melodiche che possano anche solo distrarre un momento. Stessi cantati, stessi riff d’accordi, stessa ritmica, stessi interventi della solista. Shot in the Dark è il singolo dell’album, titolo piuttosto banale ma il brano sembra funzionare. Qualche battito d’ali in più pare esserci.

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Through the Mists of Time ha un buon titolo e un andamento più fresco. Buona la melodia e buono lo sviluppo. Finalmente un brivido. Kick You When You’re Down è divertente, fraseggi blues, spontaneità e – in alcuni punti – ritmo tribale. Con Witch’s Spell si torna decisamente verso  formule trite.

Demon Fire è un tempo veloce alla AC/DC, il giro di chitarra è intrigante, così come gli stacchi. Siamo sempre nel solito campo ma perlomeno vi sono soluzioni movimentate. Il basso pulsante di Wild Reputation trascina ma il brano non è granché. In No Man’s Land il lavoro delle chitarre ha il suo perché ed è un peccato non sia valorizzato da un cantato più variegato. I riff sincopati in Systems Down sono un bene, ma anche qui le melodie del cantato sono le solite. Al minuto 1:30 di Money Shot c’è un bel riff di chitarra, l’inizio di Code Red richiama Back In Black ma poi diventa un bel pezzo rock, gran riff di chitarre.

Immagino ci siano fan degli AC/DC che non vogliano null’altro che questo, personalmente ritengo che un briciolo di vivacità compositiva in più sarebbe necessaria, non certo per snaturare il caratteristico sound del gruppo ma per rendere il prodotto finito di livello musicalmente più elevato.

Brian Johnson fa la sua porca figura, è un cantante dallo stile esclusivo che a me è sempre piaciuto un sacco; Angus Young si conferma esemplare chitarrista rock, se solo cercasse di arricchire con qualche sfumatura diversa gli assoli potrebbe prolungare il suo status all’infinito. Gli altri tre – Steve Young, Cliff Williams e Phil Rudd fanno ciò che devono fare, e lo fanno in maniera efficace ed efficiente.

Disco dunque certamente sufficiente, ma sarebbe bastato poco per renderlo più incisivo, in un periodo in cui di una rinascita del rock ci sarebbe un gran bisogno.

Blue Öyster Cult “The Symbol Remains” (Frontiers Records 2020) – TTT+

7 Nov

Da un decennio l’Italia è  diventata punto di riferimento per l’hard & heavy internazionale, la Frontiers Records di Napoli ha infatti sotto contratto decine e decine di artisti di nome, molti dei quali vecchie glorie vogliose di un ultimo guizzo da campioni. Uno dei recenti acquisti della scuderia di Serafino Perugino sono i nostri amati Blue Öyster Cult, uno dei gruppi americani di hard rock più eccentrici e interessanti di sempre.

Del nucleo storico solo Eric Bloom e Buck Darma sono rimasti, ma dopotutto cantante e chitarrista sono pur (quasi) sempre il fulcro di ogni band e dunque anche in questa formazione la band mantiene una continuità più che onorevole.

Affronto questo tipo di uscite sempre con trepidazione inquinata dalla paura, quella di dover assistere a prove imbarazzanti di vecchi leoni spelacchiati.

That Was Me irrompe con cattiveria, Eric Bloom alla voce. Metallo pesante versione moderna, assolo di chitarra di Ritchie Castellano. Il video relativo genera perplessità … capisco sia indispensabile girarne uno ma la produzione è quella che è, i mezzi pochi, le idee quasi nulle ed è triste vedere un gruppo di rango ripreso in un video più consono ad una band di seconda / terza fascia. I tempi sono quelli che sono, certo, ma già nessuno dei tre nuovi membri della band ha il physique du role, se poi aggiungiamo video del genere il risultato non può certo essere esaltante.

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Altro video per Box In My Head, cantata da Buck Darma. Il pezzo è brioso e gradevole e benché non vi siano assoli di chitarra i brevi interventi di Darma sono proprio azzeccati. Anche qui il problema è il video, dozzinale e con soluzioni grafiche così scadenti che mi chiedo se esista il quality control nello staff della produzione.

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Richie Castellano canta Tainted Blood, brano musicalmente piuttosto consunto, accompagnato da ennesimo video. Castellano con la voce se la cava ma ha un timbro e un’enfasi che non reggo.

Nightmare Epiphany (voce Darma) in certe armonie vocali ricorda Don’t Feel The Reaper, il lavoro delle chitarre in alcuni punti è originale sebbene un po’ bislacco.

Edge of the World (voce Bloom) è scritta dal solo Castellano e  non è male, tempo medio che funziona. The Machine ” (voce Castellano) –  altro pezzo del solo Castellano, è invece più scontata, solito hard rock melodico contemporaneo.

Train True (Lennie’s Song) (voce Darma) risolleva l’animo: ritmo alto, costruzione musicale semplice ma efficace, assolo (di Buck) degno di nota.

The Return of St. Cecilia (voce Castellano) è un brano di nuovo guidato da Richie Castellano, per quanto mi riguarda niente da segnalare. Non fosse inserita in un album dei BOC sarebbe musica che non ascolterei.

Stand and Fight (voce Bloom) opta per espedienti banali, heavy rock gloom and doom ordinario, nemmeno la voce di Bloom può far qualcosa a riguardo. Florida Man (voce Darma) è un buon pezzo, meno scontato di quanto possa sembrare, e contiene un assolo come di deve del nostro Buck. The Alchemist (voce Bloom) è scritta dal solo Castellano e per quanto questo musicista/autore a me non piaccia, devo dire che questo pezzo di heavy metal tenebroso alla Blue Öyster Cult fa la sua figura; sarà la voce di Bloom (qui più convinto che in altri momenti), sarà il duetto di chitarre un po’ pretenzioso ma efficacie, sarà che mi mancano i vecchi BOC ma il tutto funziona. Il video è pieno di effetti grafici da due soldi ma mi piace pensarlo momento di eccentrica ironia (e vedere Eric Bloom incappucciato nelle veste d’alchimista mi strappa un sorriso).

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Secret Road (voce Darma) è scritto da Buck Darma, non sarà un capolavoro ma contiene espedienti compositivi quantomeno interessanti, la classe c’è e si sente. Bravo Buck. There’s a Crime (voce Bloom) è veloce e convinta; non sono sicuro che Fight (voce Darma) sia un brano con cui chiudere un disco, ma ad ogni modo è un altro di quei bei momenti alla Buck Darma, alla Blue Öyster Cult: interventi di chitarra intelligenti, scrittura riuscita, estro in full flight.

14 brani sono troppi, vista anche la qualità non esaltante di alcuni di essi, ma capisco che a 19 anni dall’ultimo album da studio il gruppo avesse voglia di inserire quanta più ultima produzione possibile.

Sbirciando nei social mi sono imbattuto su riflessioni di alcuni giornalisti musicali a proposito di The Symbol Remains. Un paio di loro (amici personali ed entrambi estimatori dei vecchi BOC) hanno giudizi sostanzialmente simili ai miei (anche se a pensarci bene sono forse meno teneri col gruppo) altri invece usano iperbole a mio avviso fuori luogo.

I gusti sono gusti, certo, ma soprattutto se si è giornalisti musicali occorre mettere tutto nella giusta prospettiva e non venire risucchiati dalla tendenza degli ultimi lustri dove il senso critico è andato a farsi benedire. In troppi sembrano assuefatti a formule trite e ritrite, a generi ingabbiati in un proposte sempre uguali, incapaci ormai di distinguere musica di livello e non. Mi soffermo spesso su questo punto, lo so, ma continuo ad essere basito, in senso più ampio poi quasi nessuno riesce più a distinguere tra capitoli importanti della propria vita (ad esempio, per me, i Bad Company) e capitoli importanti della musica (ad esempio Beatles, Mahavishnu Orchestra, Rachmaninov eccetera eccetera).

Ad ogni modo, disco più che sufficiente, alcune tracce davvero carine altre da dimenticare. I tre nuovi musicisti non dicono granché, sanno suonare, ma lo fanno in maniera neutra, e non è questo quello di cui avrebbero bisogno vecchie glorie come i Blue Öyster Cult. Detto questo, Eric e Buck nel cuore.

Antonio Manzini “7-7-2007” (Sellerio 2016) – TTTTT+

6 Nov

Pag. 119:

“… il suo sogno era aprirsi un …”

Bar sulla spiaggia eccetera eccetera” lo interruppe Schiavone “il solito sogno dell’italiano frustrato da ‘sto paese. Poi vanno lì e si accorgono che il chiringuito va male, che il Costa Rica non è quel paradiso che pensavano, che non hanno più la sanità, che il mare ogni giorno è una rottura di coglioni, e che i culi delle ragazze sudamericane si allontanano insieme ai soldi dal portafogli. Tornano a 45 anni in Italia e finiscono i giorni mettendo su una ditta per svuotare le cantine” 

Pag. 192:

“Ora ti chiedo una cosa, Rocco: esiste la giustizia in natura?”

“No. la giustizia è cosa umana.”

“E sbaglia?”

“Come tutte le cose umane”

Come scrissi anche nell’articolo precedente relativo a Manzini, le indagini del vicequestore Rocco Schiavone sono piene di  fulminanti considerazioni, molto vicine al modo di vedere e sentire di Ittod, una delle personalità di questo blog. Questo 7-7-2007 è forse il noir di Manzini che più mi è piaciuto, presente e passato si intrecciano, una nuova indagine e ampi squarci del doloroso passato di Rocco Schiavone. Libro che tiene incollati ade esso sino a notte fonda.

Nota a margine: dal punto di vista musicale da questo noir si evince che al nostro vicequestore preferito l’heavy metal non piace (Judas Priest e Motorhead), che i Pink Floyd e Bowie sono tra i suoi preferiti e che non disdegna i Led Zeppelin.

Sinossi

https://sellerio.it/it/catalogo/7-7-2007/Manzini/8898

«Lo sai cosa lasciamo di noi? Una matassa ingarbugliata di capelli bianchi da spazzare via da un appartamento vuoto».
Rocco Schiavone è il solito scorbutico, maleducato, sgualcito sbirro che abbiamo conosciuto nei precedenti romanzi che raccontano le sue indagini. Ma in questo è anche, a modo suo, felice. E infatti qui siamo alcuni anni prima, quando la moglie Marina non è ancora diventata il fantasma del rimorso di Rocco: è viva, impegnata nel lavoro e con gli amici, e capace di coinvolgerlo in tutti gli aspetti dell’esistenza. Prima di cadere uccisa. E qui siamo quando tutto è cominciato.
Nel luglio del 2007 Roma è flagellata da acquazzoni tropicali e proprio nei giorni in cui Marina se ne è andata di casa perché ha scoperto i «conti sporchi» di Rocco, al vicequestore capita un caso di bravi ragazzi. Giovanni Ferri, figlio ventenne di un giornalista, ottimo studente di giurisprudenza, è trovato in una cava di marmo, pestato e poi accoltellato. Schiavone comincia a indagare nella vita ordinata e ordinaria dell’assassinato. Giorni dopo il corpo senza vita di un amico di Giovanni è scoperto, in una coincidenza raccapricciante, per strada. Matteo Livolsi, questo il suo nome, è stato finito anche lui in modo violento ma stavolta una strana circostanza consente di agganciarci una pista: non c’è sangue sul cadavere. Adesso, l’animale da fiuto che c’è dentro Rocco Schiavone può mettersi, con la spregiudicatezza e la sete di giustizia di sempre, sulle tracce «del figlio di puttana che ha accoltellato due ventenni alla base del cranio». Ma se fosse la storia di un balordo solitario, sarebbe troppo liscia. Rocco invece ha un appuntamento con il fato tragico, e non sa di averlo. E quell’appuntamento gli lascia in eredità un nemico appostato quasi dieci anni dopo, quando, finito il ricordo, si ritorna al presente e Rocco ha da chiudere definitivamente il caso.
Il ritmo dei noir di Antonio Manzini dà il senso di un meccanismo dai mille ingranaggi che non perde mai un colpo, che gira all’unisono col travaglio esistenziale di un personaggio che resta nella mente, mentre lo sguardo di chi lo muove si posa critico e triste sulla realtà sociale dei tempi che corrono.

Rocco Schiavone sul blog:

https://timtirelli.com/2020/09/15/antonio-manzini-era-di-maggio-sellerio-2015/

https://timtirelli.com/2019/10/05/antonio-manzini-non-e-stagione-sellerio-2015-2018-tttt/

https://timtirelli.com/2019/05/16/antonio-manzini-la-costola-di-adamo-sellerio-2014-2018/

https://timtirelli.com/2019/04/21/antonio-manzini-pista-nera-sellerio-2013-2018/

La pelle del latte caldo che scende nella tazza malgrado il colino

3 Nov

Giornata inconcludente e svogliata, nonostante la tua autodisciplina – di solito ferrea – ti arrendi all’umore neutro, all’accidia, alla misantropia … già, quel sentimento di avversione nei confronti dei propri simili, per lo più provocato da incapacità di prender parte alla vita attiva e accompagnato da uno scontroso desiderio di solitudine.

Cerchi di trovare un passaggio trai i rovi che hanno invaso la tua mente, un modo per evitarli ma fallisci ad ogni tentativo.

La tua squadra del cuore  pareggia dopo una partita dominata dall’inizio alla fine così ti alzi dal divano che sei messo peggio di prima. Ti ci ributti e passi un’ ora a scorrere i film e le serie TV di Netflix, Prime Video e de Il Castamasso Della Cesira Channel senza trovare qualcosa che ti interessi davvero.

Scendi in cortile, ritorni in casa. Riscendi. Ti metti a far le scale più volte nella speranza che lo sforzo fisico dia un po’ di pace alle tue gambe in preda alla smania tipica di questi momenti. Strichetto, una delle gatte che vive con te, ti segue su e giù alcune volte poi – una volta capito che non hai intenzione di entrare in casa e che hai un comportamento strano – desiste e torna a seguire percorsi tutti suoi.

Rientra un vicino in moto e ti indispone. Rientrano le figlie di un altro vicino (abusivo) suonando il clacson per farsi aprire il cancello e la rottura di palle diventa massima. Passa uno dei trattori giganteschi del fattore che abita in zona e molli tutto.

In casa provi a leggere ma passi mezz’ora sulle stesse tre righe, vecchi rancori irrisolti tornano a galla, la mente e i suoi tarli non ti lasciano concentrare. Ogni sciocchezza viene amplificata all’infinito, il tuo animo parte per uno dei suoi blues cosmici.

Prendi in mano la chitarra ma ogni riff, ogni accordo, ogni costruzione musicale ti riesce male così decidi finalmente che non suonerai mai più.

Guardi lo scaffale dei cd e decidi di metterci mano; riposizioni intere sezioni spostando da un piano all’altro decine e decine di titoli. Ti accorgi che la nuova disposizione esteticamente non funziona e la riadatti alle rigide regole del bon ton esteriore che abitano il tuo cervello. Raggiungi un compromesso con te stesso ma per completare l’opera devi aggiustare l’allineamento delle custodie dei cd, tutto deve seguire una riga perfetta.

Ti metti a scrivere, l’unica faccenda umana che (forse) ti riesce, ma quello che esce dalla tua tastiera è una miscela di prosa gotica, tenebrosa e inutile.

La personalità che oggi ha preso possesso di te è quella di Ittod versione easiness & indolence. Sai che – fino a che non passerà – non avrai scampo.

Non sai cosa diavolo fare di te stesso, così entri nei panni di uno dei personaggi di Italo Svevo, uno dei mentori della tua giovinezza, e decidi di prepararti un caffellatte.

Il latte si scalda nel pentolino, prepari la tazza e il colino, odi la “pelle” che si forma sulla superfice calda del liquido bianco opaco prodotto per secrezione dalle ghiandole mammarie delle femmine dei mammiferi, in questo caso delle mucche. 

Una volta pronto il latte, inspiri e poni attenzione, sei un uomo e troppe volte hai rovesciato parte del latte fuori dalla tazza …

con cura quindi lo versi nella tazza tramite il colino certo che otterrai il risultato voluto, ma non è serata: non puoi fare a meno di notare la pelle del latte che misteriosamente galleggia nella tazza nonostante il colino. Niente da fare, è una domenica da buttare.

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ROBERT PLANT “DIGGING DEEP: SUBTERRANEA” (Es Paranza / Warner 2020) – TTT

2 Nov

Nuova raccolta per il biondo di Birmingham, un doppio cd che contiene alcuni suoi “classici” pezzi del periodo migliore della sua carriera solista (1982 – 1993), brani del periodo successivo, e tre inediti. Copertina standard, nessuno sforzo creativo e realizzativo particolare.

Apre Rainbow, che fa parte dell’ultimo periodo del Golden God, il periodo che critici e molti fan apprezzano, il periodo che fa scrivere frasi già lette mille volte su come RP ricerchi strade nuove, su come non abbia dormito sugli allori, su come sia sempre riuscito sempre a rimettersi in gioco. Tutto vero, noi però non riusciamo ad esaltiamo troppo per gli ultimi album di Percy; certo non avremmo voluto vederlo – come ad esempio Gillan, Coverdale e parecchi altri – perpetuare il ruolo di cantante hard rock perché quando fisico e voce finiscono per tradirti ti mettono ovviamente in grande imbarazzo, ma non siamo nemmeno pronti a sostenere a cuore aperto quel miscuglio di americana-space-afro-rock alternativo.

Sono i pezzi dei primi lustri post Zeppelin a risplendere: Hurting Kind, buon brano rock tirato e scevro dai luoghi comuni del rock duro,

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e la delicata meraviglia di Ship of Fools ad esempio.

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Il mai pubblicato prima Nothing Takes the Place of You (Alan Robinson / Toussaint McCall) è in perfetta sintonia con le ultime voglie di Robert, traccia che proviene dalla colonna sonora del film del 2013 “Winter In The Blood

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Per Heaven Knows (comprensivo di un bell’assolo con lo stringbender di Jimmy Page) e In The Mood vale il discorso fatto in precedenza, due grandi brani del primo periodo da solista

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In Charlie Patton Highway (Turn It Up – Part 1) (Giovino/Miller/Robert Plant), secondo inedito, Plant torna alle radici del blues, lo fa in maniera meno scontata di tanta altra gente, ma secondo noi aggiunge poco.

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Altri classici del passato più remoto: Like I’ve Never Been Gone, splendida ballata del 1982 con Cozy Powell alla batteria e I Believe del 1993, commovente secondo omaggio a Karac, il figlio che perse nel 1977.

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Notevole anche la versione acustica di Great Spirit registrata nel 1993 insieme all’indimenticato Rainer Ptacek e alla sua chitarra National. Blues tenebroso e intenso.

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La solenne Anniversary (1990) ha ancora il suo perchè

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così come la frizzante Fat Lip del 1982

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e il gran singolo del 1993: 29 Palms

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Agli appassionati del genere americana piacerà l’inedito Too Much Alike (Feat. Patty Griffin).

Finale lasciato a due bei brani rock del 1993 venati di blues e di piombo Zeppelin e al contempo moderni come Memory Song (Hello Hello) e Promised Land, prima di essi però non poteva mancare probabilmente il singolo più riuscito di Robert Plant, l’evocativa Big Log: atmosfera superlativa, gran testo perfetto e videoclip d’accompagnamento pressoché perfetto.

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Una raccolta molto articolata (di diversi brani abbiamo scelto di non parlare), forse pure troppo, che spazia tra i bei classici e le ottime deep cut anni ottanta e novanta e le prove – a nostro giudizio non proprio indimenticabili – degli ultimi due decenni. Detto questo, riascoltare certi pezzi di Robert Plant è sempre un’emozione.

CD1

  1. Rainbow
  2. Hurting Kind
  3. Shine It All Around
  4. Ship of Fools
  5. Nothing Takes the Place of You *
  6. Darkness, Darkness
  7. Heaven Knows
  8. In the Mood
  9. Charlie Patton Highway (Turn It Up – Part 1) *
  10. New World
  11. Like I’ve Never Been Gone
  12. I Believe
  13. Dance with You Tonight
  14. Satan Your Kingdom Must Come Down
  15. Great Spirit (Acoustic) 

CD2

  1. Angel Dance
  2. Takamba
  3. Anniversary
  4. Wreckless Love
  5. White Clean & Neat
  6. Silver Rider
  7. Fat Lip
  8. 29 Palms
  9. Last Time I Saw Her
  10. Embrace Another Fall
  11. Too Much Alike (Feat. Patty Griffin) *
  12. Big Log
  13. Falling in Love Again
  14. Memory Song (Hello Hello)
  15. Promised Land

* Previously Unreleased

Joe Bonamassa – Royal Tea (Provogue Records 2020) – TTT

1 Nov

Joe Bonamassa, bravissimo chitarrista americano nato nel 1977 fortemente influenzato dal blues rock inglese fine sessanta / inizio settanta, e guidato dal suo tutor personale Kevin Shirley (produttore, ingegnere del suono, etc etc) che ancora lo spinge verso quel mondo musicale. In quest’album infatti il team di compositori è allargato all’autore di testi Pete Brown (a suo tempo collaboratore dei Cream) e a Bernie Marsden (abile chitarrista/compositore già con Ufo, Cozy Powell, Paice Ashton Lord , Whitesnake, Alaska).

In vent’anni Joe ha pubblicato qualcosa come 14 album da studio e 17 album dal vivo (più 15 video), senza contare i 4 album registrati con i Black Country Communion, tutto questo in un periodo in cui dischi non si vendono più (o meglio, le vendite ormai sono attestate – tranne RARISSIMI casi – su quantità risibili). Fisiologico dunque che con tutte queste produzioni il livello qualitativo delle stesse (ovvero il valore delle canzoni) possa livellarsi verso il basso.

When One Door Opens si fa aiutare dall’orchestra e potrebbe essere un buon pezzo per uno dei nuovi film di 007. Avrò anche le orecchie molto sensibili per quanto riguarda i LZ, ma mi sembra di sentire chiari echi dello stringbender suonato da Page in All My Love. Il problema di questo pezzo è la parte centrale dedicata ai riferimenti: al primo ascolto sembra sia il bolero di Ravel ripreso dai Deep Purple di Child In Time ma poi ad una ascolto più accurato si capisce che ad essere rifatto è il bolero ripreso dai Led Zeppelin in How Many More Times (lo si evince anche dal riff successivo, molto simile a quello dei LZ). E’ un peccato perché i primi minuti e gli ultimi del brano sono delicati e suggestivi.

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Royal Tea avvicenda consunti riff blues ad aperture apprezzabili. Assolo prevedibile. Di nuovo una citazione, stavolta è I Ain’t Superstitious di Jeff Beck. In Why Does It Takes So Long To Say Goodbye c’è la mano di Bernie Marsden, una ballatona blues alla Gary Moore;

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Lookout Man invece è tutta un ostinato riffaccio hard rock blues su cui si affaccia l’armonica. High Class Girl è noioso: giro blues usatissimo, uno di quelli che al giorno d’oggi non si riesce proprio più ad ascoltare, su cui si intravedono Green Onions di Booker T. & the M.G.’s. e l’immortale The Hunter (versione Free).

A Conversation With Alice è scritta insieme a Marsden e non dispiace, buon rock frizzante con una bella slide guitar.

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Uso frenetico del wah wah in I Didn’t Think She Would Do It, con Hendrix che fa capolino qua e là. Behind The Silence è l’unico pezzo scritto dal solo Bonamassa, brano musicalmente riflessivo. Lonely Boy è uno swing scritto insieme a Jools Stewart e Dave Stewart, nessun brivido particolare (a me pare che voglia fare il verso a Brian Setzer e alla sua Orchestra). Il genere americana è quello su cui Savannah si sdraia. Chitarre acustiche e mandolino, molto carino.

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Se Bonamassa (a proposito, cognome italiano, direi calabrese) continua a fare dischi e tour con tale frequenza significa che alla fine il suo blues rock revival paga; immagino ci sia un pubblico che non voglia altro che sentire questo tipo di classic rock basato sul blues. Personalmente batto sempre sullo stesso tasto: occorre fare sforzi maggiori per quanto riguarda il songwriting, se vogliamo tenere in vita il blues è necessario fare degli innesti e avere alte capacità compositive. A me non basta un bravo chitarrista, una produzione di rilievo e una buon gruppo, serve un po’ di magia, di tensione compositiva, di emozioni forti. Qui è tutto troppo calcolato.

So che in una recensione parlare dei riferimenti è la cosa più ovvia e sicuramente noiosa, ma sembra impossibile evitare di parlare dei richiami che i pezzi di Bonamassa riportano alla mente. Chiedo scusa a chi troverà i miei rilievi ridondanti. Chiaro comunque che dopo due o tre ascolti il disco sembri migliore di quel che è e che i vari riferimenti tendano a sfumare, tuttavia a caldo rimangono validi i ragionamento fatti.

Per finire, apprezzo il fatto che contenga solo dieci pezzi (troppo spesso i cd sono TROPPO lunghi), ma il disco per me rimane interlocutorio, è suonato e confezionato bene, ma come accennato manca il fremito, il batticuore, il pezzo che ti fa restare con la bocca aperta…

BOOTLEGS: Led Zeppelin Los Angeles Forum, June 21 1977 (Mike Millard Master Tapes via JEMS) – TTTTT

30 Ott

Mike Millard Legacy intro

Di Mike Millard su questo blog ne abbiamo parlato più volte, amante del rock proveniente dalla west coast americana, dal 1973 al 1992 registrò parecchi concerti tenutisi in quell’area. Lo fece con una strumentazione di qualità, per quei tempi davvero notevole, portandola all’interno delle arene in questione usando diversi stratagemmi (a volte anche fingendosi disabile e quindi su una sedia a rotelle). Le sue sono dunque registrazioni audience, cioè prese dal pubblico, ma di una qualità micidiale; non è un un caso che ancora oggi – tra il giro di appassionati – siano considerate tra i documenti migliori per quanto riguarda l’epoca d’oro della musica rock. Sì perché con le registrazione audience si ha l’idea esatta di cosa fosse andare ad un concerto rock, la performance dell’artista catturato nella sua essenza più pura: l’umore e le scosse emotive del pubblico, la musica messa su nastro senza artifici (e dunque senza le modifiche e i trucchetti presenti nei dischi dal vivo ufficiali), i commenti dei fans che a tratti finivano sul nastro. La fortuna ha voluto che i LZ fossero tra i suoi gruppi preferiti e, ad esempio, le sue registrazione di alcuni dei sei concerti tenuti nel 1977 a Los Angeles sono per tutti noi testimonianze preziosissime. Nel 1994 Millard decise di togliersi la vita, decisione che non ci permettiamo di giudicare e quindi tralasciamo di commentare gli abissi di dolore a cui deve essere andato incontro. Per moltissimo tempo le sue cassette rimasero archiviate nella sua stanza a casa di sua madre, le registrazioni che circolavano provenivano infatti da copie che lo stesso Millard aveva fatto per amici e altri collezionisti. Successe poi che sua madre finalmente affidò ad amici intimi di suo figlio le tante cassette (si parla di 280 concerti registrati) in modo che potessero essere trasferite e quindi salvate su DAT. Sotto all’articolo riporto (oltre al testo che accompagna la registrazione di RP di cui tra poco parleremo) tutta la lunga storia in caso qualcuno fosse interessato. Per chiudere questo breve riassunto, quando si pensava che i master originali di Millard fossero andati persi, ecco che vengono ritrovati, rimasterizzati e messi gratuitamente in circolo da generosi collezionisti e amanti del rock come noi. E’ dunque doveroso mandare un pensiero a Mike Millard perché grazie ai suoi nastri il rock si mantiene vivo e noi possiamo ancora illuderci di vivere in prima persona i momenti più esaltanti della musica che amiamo.

Live Recording reflections: Led Zeppelin, The Forum, Los Angeles, CA, June 21, 1977

Tra tutti i concerti registrati dal grande Mike Millard, questo è di sicuro quello più famoso, la prima data dei sei concerti tenuti al Forum di L.A. dai LZ bel 1977. Di questo show sono stati stampati decine di bootleg e fatte innumerevoli versioni rimasterizzate, questa dovrebbe essere la migliore dal punto di vista qualitativo dato che proviene direttamente dal master di Millard. Nella piccola parte mancante di Ten Years Gone – dovuta al cambio cassetta al momento della registrazione – il team JEM ha usato parte della registrazioni fatta al tempo da un altro fan, un certo GaryB. Millard registrò quattro delle sei date dei LZ al Forum, questa – insieme a quella del 23 – cattura il gruppo nel momento migliore del tour del 1977, tour come sappiamo di enorme (!) successo ma corrotto dallo stato del chitarrista e del management, tutti sotto la forte influenza di sostanze chimiche. Anche Bonham lo era, ma le sue performance fortunatamente non ne risentirono, solo una volta suonò male, successe a San Diego, il 19 giugno 1977; il batterista ebbe problemi di stomaco dovuti ad una intossicazione alimentare che minò la sua esibizione ma una volta ristabilitosi decise di riprendersi la scena alla prima occasione, ovvero al concerto successivo che guarda caso è quello di cui parliamo oggi.

I concerti al Forum si sarebbero dovuti tenere in marzo (cinque le date previste in origine) ma, è cosa nota, poco prima di partire per il tour Robert Plant ebbe una forte tonsillite che costrinse lo spostamento di tutto il tour. Le date di Los Angeles furono spostate a giugno, ne fu aggiunta una vista le continue richieste di biglietti. Sei concerti di fila al Forum, e due settimane prima sei concerti di fila al Madison Square Garden … nel 1977 nessuno come i LZ!

Los Angeles, 1977 © David Swift

Qualche anno dopo uno del giro dei dischi pirata entrò in possesso di questa registrazione di Millard e ne fece un primo bootleg dal titolo “Listen To This Eddie” (ascolta questo Eddie). Si dice che il titolo fosse riferito a Eddie Van Halen e ad alcune sue affermazioni circa certe discutibili esibizioni live di Page. Io queste dichiarazioni di Van Halen non le ricordo, quel che so per certo è che Edward fu un po’ critico con Page e con i LZ subito dopo l’uscita di In Throught The Out Door, visto il massiccio uso di tastiere presenti nel album del 1979 (cosa oggi divertente visto che da lì a qualche anno anche il grandissimo Edward Van Halen si mise a fare un gran uso di tastiere nei dischi del suo gruppo). Recentemente è emersa anche la teoria secondo cui il titolo potrebbe essere diretto all’ingegnere del suono Eddie Kramer (colui che registrò le tre date al Madison Square Garden di New York nel luglio del 1973 da cui fu tratto il primo album dal vivo ufficiale del gruppo uscito nel 1976).

Per portare all’interno del Forum il suo equipaggiamento, Millard si finse invalido su sedia a rotelle facendosi accompagnare dal suo amico Jim R.

Aerial view of the Forum in the 1970s.

Come accennato John Bonham vuole rimediare alla sua performance sfasata di due giorni prima e quel che suona in The Song Remains The Same è semplicemente incredibile. Una carica così non la si era mai sentita, il richiamo della foresta versione rock. Mai sentito un batterista rock suonare in questo modo. La qualità audio è ovviamente audience, ma come quasi tutte le registrazioni di Millard è una meraviglia, la sensazione è quella di essere in seconda fila al Forum di Los Angeles ad ascoltare i LZ – decadenti ma sempre meravigliosi – del 1977. Qualche battuta di The Rover quindi inizia Sick Again – dove ad un certo punto la chitarra di Page viene scollegata. Il gruppo sembra fermarsi un attimo ma poi Page torna e il rock del gruppo torna a volare alto. Page pasticcia nel primo assolo, ma la versione del brano nel suo insieme è solida e convincente.

RP: Well good evening. I mean, good evening! Well we finally did it. Haven’t seen you since, uh, anybody here when we played with Bad Company? That was the first time that we ever managed to get back on stage again. So tonight, oh, sweet smell, tonight no beating around the bush. We’re just gonna play cause that’s what we’re here for.

L’inizio con la chitarra effettata di Nobody’s Fault But Mine non sempre convince del tutto dal vivo ma qui al Forum il suono è pieno, potente, cosmico. Robert canta benissimo e il gruppo rockeggia alla grande.

RP: Thank you very much, ta. It is indeed, uh, our great pleasure to be back in California, for many many reasons. Among those it’s very hard to see the sun in a place bigger than New York. This is a song about, um, well it’s not even worth telling you what it’s about, you know.

Over The Hills And Far Away fila via liscia, l’assolo di Page è da sottolineare: Jones e Bonham offrono una base ritmica corposa e dinamica mentre the master of the guitar è ispiratissimo.

RP: Well that was a song that, uh. That was a song that speaks for itself. This is a song that comes from what you might call the urban blues of the United Kingdom. It’s a song that you probably already know, but it’s a song that is very close to all of us in the band from time to time, and things like that.

La Since I’ve Been Loving You del 1977 mantiene la grande carica drammatica della (stellare) versione live del 1973 ma aggiunge l’alone di decadenza tipico di questo tour. Qui il gruppo è semplicemente magnifico immerso com’è in quel sentimento al contempo pesante e leggero da orizzonti perduti. Bonham semplicemente maestoso, Jones impeccabile, Robert Plant favoloso e Jimmy Page degno del suo nome. Sentirla in cuffia a buon volume cambia la vita. Dopo le parole di Robert a proposito di Jimmy il pubblico esplode in un boato.

RTP: ah it’s starting to cook. We’d like to welcome back to the world John Bonham who had a terrible, uh, fit of food poisoning. Welcome back, John Bonham. He ate far too many rhinestones. That, by the way, featured Jimmy Page on guitar. How ‘bout then? It’s really nice to be back in the sun. So, if all we gotta do to go down well is say Jimmy, Jimmy. Something a little harder then. We’re gonna feature a very, uh, very warm friend of ours who’s often playing with the band these days. John Paul Jones on keyboards. ‘No Quarter.’

Lo stesso boato si protrae una volta che JPJ inizia No Quarter, quanto amore incondizionato aveva Los Amgeles per i Led Zeppelin! La qualità audio è sensazionale (come sempre dico, va tenuto presente che trattasi di registrazione audience, ovvero presa dal pubblico), perfetta per perdersi tra le profondità di pezzi come questo. Il gruppo è molto coeso, Bonham è di nuovo uno spettacolo, un suono di batteria così in campo rock non lo si sarebbe mai più sentito. L’assolo di John Paul Jones è ricco di ricami sia cupi che sfavillanti, ricami che poi virano sul blues, per andare a formare quindi la solita bluesjam – a mio parere sempre un po’ fuori luogo in una brano come questo. Durante l’assolo di chitarra Page sembra ispirato a sufficienza, certo siamo distanti dall’eccellenza raggiunta nello stesso assolo del 1973; la stesura della sua improvvisazione non avviene infatti in maniera organica, sembra piuttosto un collage un po’ disgiunto di frasi alla Jimmy Page. Gli va comunque dato il merito di cercare sempre nuove soluzioni, di buttarsi a vita persa nell’intento di raggiungere l’estasi musicale. Durante questo assolo di chitarra John Bonham è irrefrenabile, io una cosa così in un contesto Rock non l’ho mai sentita. Ecco, se la versione di No Quarter del 1973 contenuta nell’album dal vivo The Song Remains The Same è di un perfezione assoluta, questa del 21 giugno 1977 va ascritta nell’albo dei capisaldi solenni dei LZ: dilatata, epica, sgranata, cosmica, mastodontica, Bonhamesca. 29 minuti di musica universale.

RP: John Paul Jones, grand piano. Oh boy, that certainly moved along a little bit. So, uh, we found ourselves in a, hang on a tic, we found ourselves in a position of, some-what, forced, uh, stalemate for about two years. A sort of physical stalemate which was not very, you know, it was a bit frustrating. So, when we started to rehearse with a view to travelling the world and seeing many hotels we thought, hah, we thought what we’d do is we’d look back through some of the old material and some of the material that we ha, hang on, hold it, wait a minute, I didn’t say Jimmy. Through some of the, uh, material that we, we’d had to ignore because of the, the fact that we’re a four piece band, and Jonesy most kindly went out and bought a three-necked instrument which has since then has often hurt his back in many a hotel. So with the aid of Jonesy’s three-necked instrument we’re gonna try a thing from Physical Graffiti called ‘Ten Years Gone.’

Ten Years Gone è probabilmente il mio pezzo preferito dei Led Zeppelin ed è sempre per me un’ emozione particolare riascoltarlo nella variante live, sebbene sia un brano complesso da riproporre davanti ad un pubblico con solo tre strumentisti. Le molte chitarre dell’originale sono impossibili da replicare dal vivo, il gruppo – noto per la sua temerarietà – ci prova ugualmente con Page che cerca di fare del suo meglio nell’arrangiare il tessuto chitarristico per una chitarra sola (la Fender Telecaster con lo Stringbender), aiutato da Jones che suona contemporaneamente la chitarra acustica 12 corde e la pedaliera basso. Il risultato è comunque sorprendente, se teniamo presente appunto le complessità che deve affrontare Page e lo stato in cui versava in quegli anni il nostri chitarrista preferito. Il Dark Lord infatti ogni tanto incespica durante gli assoli (soprattutto nelle frasette a bicordi) ma personalmente starei ore a sentirlo improvvisare così con l’uso particolare che fa dello stringbender. La sensibilità dei Led Zeppelin pur sostenuta da una ritmica sempre maschia era una cosa stupefacente. “I’m never gonna leave you, “I’m never gonna leave you, I’m never, I’m never, I’m never, I’m never ooh yeah” finale toccante.

RP: Well that’s, thank you very much, ta. As senility creeps in and we reach the age of twenty-five, we decided to do something that we haven’t done for years and years. You know what I mean, Bonzo? Way back in 1971, when we came to Los Angeles, we used to sit down and play some of the stuff that we, um, we found came around from our dealings in the Welsh mountains and the Scottish highlands, and it was called an acoustic set, and this brings a rather warm vibe, and it brings a man who had a very bad stomach complaint to the front of the stage, John Bonham, John Henry Bonham. Come on! The rhinestone cowgirl. I guess he’s, he’s the cowgirl in the sand.

Il set acustico del 1977 parte con The Battle Of Evermore, Page al mandolino, Jones alla chitarra e Bonham al tamburello. Mi sono sempre chiesto perché non fosse John Bonham a fare i coretti a Robert Plant, Jones infatti non brilla certo per doti vocali mentre il thunder boy di Redditch non era davvero niente male. Suggestiva la prova di Plant.

RP: Sorry, just discussing some arabic. Um, this next song, uh, I guess we should dedicate to a lot of good friends that we’ve met along the way. Some are going back to New York tomorrow. Dear Danny, we’ll miss you so much. You and your American Express card. Ha ha! Um, lots of good people that we’ve met, especially the people who made us write this song. Wow. …. Fortunately the guy who tunes Jimmy’s guitars comes from Scotland, and he always tends to tune them in Scottish, which is, uh, alright for some.

Robert inizia a cantare Going To California e il pubblico californiano – come sempre – esplode. Plant la canta molto bene, pur non essendo più il cantante memorabile del triennio 1970-71-72, rimane un vocalist formidabile. Qui Page suona la chitarra acustica mentre Jones è al mandolino. Finito il pezzo si sente un fan, evidentemente vicino a Mike Millard, urlare “Heartbreaker”. Che stonati che c’erano in giro…sei lì sprofondato in un bel momento delicato con il gruppo alle prese con strumenti acustici e tu gridi Heartbreaker. Mah.

RP: (Sometimes it’s terribly hard.) I wonder if she still lives there. (Hang man, hang man. Hold it a little while.) To be continued.

Black Country Woman è ridotta ad un paio di strofe, sufficienti comunque per godersi Bohnam e Jones (al contrabbasso). Bron-Y-Aur Stomp coinvolge il pubblico, il battimani generale trasforma tutto in una divertente festa campagnola. Il lavoro di Page sull’acustica è notevole, quello che fa con la mano destra è superlativo, pennate dinamiche che sanno di flamenco.

Di nuovo gente che grida “Heartbreaker” e “Rock And Roll”.

Gli intricati e lunghi arpeggi di White Summer(include Swan Song)/Black Mountain Side portano a Kashmir. Tutto molto bello.

RP: Uh, that was called ‘Kashmir.’ Ahh. Let me take you there. Trouble with the musical equipment up here. Right now, the man who fought, the man who fought against the elements. The man. The man who, who fought food poisoning. The man who drinks Heineken. The man who doesn’t get out of bed. The man who hasn’t got a cymbal. The man who’s having a chat with his man who knows the man who tunes Jimmy’s guitar who comes from Scotland, and doesn’t know the man they call Tim, but does know Audrey from Dallas. Thank you. Shh, hang on. The man who now learns how to construct his own drum kit. The man who’s not very professional. Shut up, wait a bit, shhh. The man who said he could go back to a building site anytime, and we all agreed. The man who’s holding up the show. The rhinestone cowgirl. Come on, Bonzo, get on with it. That’s what the quaalude stagger is. The man who played the Los Angeles Aztecs and beat them 10-1 by himself. The man who, one wonders, is he worth waiting for, and doesn’t really realize there’s a curfew here. A childhood friend. A man who many people once said, never heard of him, John Bonham. Over the Top!

Out On The Tiles intro > Moby Dick è lo spazio lasciato a John Henry Bonham e alla sua batteria. 15 minuti di spettacolari peripezie ritmiche.

RP: John Bonham! John Bonham!! John Henry Bonham. John Bonham! Come on!

Parte Heartbreaker e il pubblico diventa matto, al di là di tutto il piombo zeppelin è sempre parte fondamentale del successo del gruppo. La versione è buona, l’assolo senza accompagnamento parte in maniera incerta e prosegue più o meno con lo stesso astratto costrutto. Vi sono momenti riusciti e altri meno, lo stesso dicasi per il prolungamento dello stesso suonato insieme a Jones e Bonham, ma nel complesso Heartbreaker è ampiamente sopra la sufficienza.

Il Guitar Solo (include Star Spangled Banner e Dixie) del 1977, preludio a Achilles Last Stand, lascia come sempre qualche perplessità. Chi assistette al tour di solito lo ricorda come un momento riuscito, chi lo ha ascoltato solo dalle registrazione non può che chiedersi che senso avesse. Chitarra effettata come non mai, strani effetti sonori a cui si aggiunge l’uso del Theremin e dell’archetto di violino. Sì certo, Page che dialoga con le forze oscure dell’universo, ma a me la prima parte è sempre sembrata fine a se stessa. Una curiosità: intorno al minuto 8:00 Page usa effetto e fraseggi simili a quelli che avrebbe usato Edward Van Halen per la parte introduttiva a Dancing In The Street, la cover rifatta dai VH presente sull’album Diver Down del 1982.
Achilles Last Stand è uno di quei pezzi da suonare dal vivo solo se i musicisti sono in ottime condizioni (soprattutto il chitarrista visto il gran numero di chitarre presenti nella versione da studio) perché è un brano impegnativo, non è un caso che siano rare le versioni dal vivo davvero convincenti. Il Page annebbiato dalle sostanze chimiche non ha quasi mai reso giustizia alla magniloquenza del pezzo. Anche qui, in questa prima serata a Los Angeles, difetta di precisione. L’inizio dell’assolo è imbarazzante e il prosieguo non incanta di certo. E’ un peccato perché Bonham, Jones e Plant sono spettacolari. Mi si dirà che sono sempre troppo critico col Dark Lord, ma il fatto è che se ti chiami Jimmy Page devi essere all’altezza della tua fama.

RP: Achillies Last Stand’, at least we thought. We seem to be going through mic stands at an amazing rate. Showco’s, uh, Plastic Mic Stands Incorporated. It’s very nice to see some friends just arrive from England, Mr Phil Carson. A man who’s played bass in Japan with Dusty Springfield a long time ago. You see, we know all the oldies. All the push, …, ha ha! Well there’s no doubt you picked up by the atmosphere at least on stage tonight, it’s, it’s like sort of the highpoint of the whole tour to be back here. And that’s, maybe after six nights it will not be so easy to say that, but at the moment, we’d like to, uh, uh, we give you this song.

La versione di Stairway To Heaven invece è di buon livello anche da parte di Page, certo vi è il tocco della decadenza che contraddistingue gli ultimi anni dei Led Zeppelin, ma sono dettagli. Jones e Bonham durante l’assolo di Page si danno al reggae, Bonham in particolare in alcuni punti fa di tutto per distruggere il tempo e ricostruirlo seguendo un istinto tutto suo.

RP: LA! Thank you very much. You’ve been extremely nice. Good night.

Quello che succedeva nei camerini durante le lunghe pause dove solo un membro del gruppo restava sul palco a suonare e nei momento tra la fine del concerto è i bis e facile intuirlo. Il gruppo – Page in primis – tornava on stage in condizioni spesso assai discutibili. Whole Lotta Love >Rock And Roll stavolta non sono male e chiudono bene questo gran concerto.

RP: Oh? Just like a good woman. Good night.

Registrazione e remaster dunque da avere assolutamente. Il solo modo per capire cosa è stato essere a Los Angele nel 1977 a vedere i Led Zeppelin è avere questa live recording e ascoltarla in cuffia.

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Led Zeppelin
The Forum
Los Angeles, CA
June 21, 1977
Mike Millard Master Tapes via JEMS
Mastered Edition
The Lost and Found Mike the MICrophone Tapes Volume 50

Recording Gear: AKG 451E Microphones (CK-1 cardioid capsules) > Nakamichi 550 Cassette Recorder

Transfer: Mike Millard Master Cassettes > Yamaha KX-W592 Cassette Deck > Sony R-500 DAT > Analog Master DAT Clone > Focusrite Scarlett 6i6 > Sound Forge Audio Studio 13.0 capture > Adobe Audition > iZotope RX8 > iZotope Ozone 8 > Audacity > TLH > FLAC

01 The Song Remains The Same (omitted as it is officially released on the LZ DVD)
02 Rover intro > Sick Again
03 Nobody’s Fault But Mine
04 Over The Hills And Far Away
05 Since I’ve Been Loving You
06 No Quarter
07 Ten Years Gone
08 The Battle Of Evermore
09 Going To California
10 Black Country Woman
11 Bron-Y-AUr Stomp
12 White Summer/Black Mountain Side >
13 Kashmir
14 Out On The Tiles intro > Moby Dick
15 Heartbreaker
16 Guitar Solo
17 Achilles Last Stand
18 Stairway To Heaven
19 Whole Lotta Love >
20 Rock And Roll

Known Faults:
-Tape flip in “Ten Years Gone” patched with GaryB master tape second source

Introduction to the Lost and Found Mike the MICrophone Series

Welcome to JEMS’ Lost and Found Mike the MICrophone series presenting recordings made by legendary taper Mike Millard, AKA Mike the MICrophone, best known for his masters of Led Zeppelin done in and around Los Angeles circa 1975-77. For the complete details on how tapes in this series came to be lost and found again, as well as JEMS’ long history with Mike Millard, please refer to the notes in Vol. One: http://www.dimeadozen.org/torrents-details.php?id=500680.

Until 2020, the Lost and Found series presented fresh transfers of previously unavailable first-generation copies made by Mike himself for friends like Stan Gutoski of JEMS, Jim R, Bill C. and Barry G. These sources were upgrades to circulating copies and in most instances marked the only time verified first generation Millard sources had been directly digitized in the torrent era.

That all changed with the discovery of many of Mike Millard’s original master tapes.

Yes, you read that correctly, Mike Millard’s master cassettes, long rumored to be destroyed or lost, have been found. Not all of them but many, and with them a much more complete picture has emerged of what Millard recorded between his first show in late 1973 and his last in early 1992.

The reason the rediscovery of his master tapes is such a revelation is that we’ve been told for decades they were gone. Internet myths suggest Millard destroyed his master tapes before taking his own life, an imprudent detail likely concocted based on the assumption that because his master tapes never surfaced and Mike’s mental state was troubled he would do something rash WITH HIS LIFE’S WORK. There’s also a version of the story where Mike’s family dumps the tapes after he dies. Why would they do that?

The truth is Mike’s masters remained in his bedroom for many years after his death in 1994. We know at least a few of Millard’s friends and acquaintances contacted his mother Lia inquiring about the tapes at the time to no avail. But in the early 2000s, longtime Millard friend Rob S was the one she knew and trusted enough to preserve Mike’s work.

Led Zeppelin, The Forum, Los Angeles, CA, June 21, 1977

As we approached the Vol. 50 milestone in our Millard recording series, it seemed appropriate to reach for something truly special to mark the occasion. But what show should it be?

There is little debate as to Mike the Mike’s most famous recordings, but choosing which one to celebrate for the big 5-0 proved vexing. Then came a great idea: Release the 50th show Mike recorded. We started to count from show No. 1 (The Who, November 23, 1973) and low and behold, show No. 50 just so happened be what is undoubtedly Mike’s most famous recording of all: Led Zeppelin at the Forum, June 21, 1977. You may have first met it under its all-time great bootleg title, Listen To This Eddie.

Fate, ladies and gentleman.

So here it is, Mike’s best known recording, transferred by Rob S from the original master cassettes to DAT in the early 2000s. This show has been bootlegged dozens of times and there are many remasters in the world, notably the work of our ally Winston Remasters.

The underlying transfers used for the best circulating copies most likely come from two primary sources: first generation cassettes (including JEMS’ Dolby-decode transfer of unmarked tapes made by Millard himself) and a first-gen copy Millard made from his master tapes to VHS HiFi, which at the time was an inexpensive, high-resolution alternative to digital formats like DAT. The VHS HiFi first gen was then converted to DAT and spawned a lot of the versions before the JEMS “Dolby On” series appeared.

This release has a verified lineage of master cassettes to DAT and we believe it represents the highest quality transfer of Mike’s master recording available. We are presenting the recording in two versions: one a flat transfer, the second lightly mastered by JEMS to move the sound image a little closer and lift Jimmy and Robert up slightly in the mix. Our Mastered Edition also uses the second recording of the show by GaryB (which JEMS released a few years ago) to patch the missing piece of Ten Years Gone when Mike flipped his tape. The choice is yours.

The show itself was the opener of the band’s six-night stand at the Fabulous Forum, what most fans consider to be the high-water mark on the 1977 tour. Mike recorded four of the six shows, and if you’re wondering why he didn’t do the other two, money and ticket availability were practical considerations for Millard at the time. As Jim explains in his notes, the scalping around these shows reached unprecedented levels and Millard’s salary as a furniture truck driver (he wouldn’t become an AV clerk a the college until late 1979) meant he couldn’t afford the seats he wanted for every show.

The Forum stand was originally scheduled for five shows in March (opening night was meant to be March 9) and went on sale January 31. Robert Plant’s tonsillitis forced rescheduling, the announcement for which included the addition of a sixth and final show on June 27.

Any Led Zeppelin collector would do themselves a favor by obtaining a copy of Dave Lewis and Mike Tremaglio’s authoritative book Evenings With Led Zeppelin: The Complete Concert Chronicle. It is an encyclopedia of Zeppelin’s touring history, packed with details, reviews, contemporary newspaper clippings, photos, ticket stubs, known recordings and so much more. If JEMS had a book club, this would be one of our first selections.

The tome includes a fantastic section on the ’77 Forum run, calling the concerts “among the most highly acclaimed performances of Led Zeppelin’s career. Thankfully, taper Mike Millard captured four of the Forum shows in exceptional quality audience recordings on his Nakamichi cassette deck. Bootleggers got ahold of Millard’s opening night tape and pressed it on one of the most popular Zeppelin bootlegs ever- Listen To This Eddie.”

The legend surrounding the bootleg title is that it was in response to negative feedback about Page’s playing attributed to Eddie Van Halen, though the book offers a second theory that the title was aimed at Eddie Kramer, calling out his engineering and production on The Song Remains The Same soundtrack.

One of Millard’s friends recently told us that he showed him the Eddie bootleg CD when it was released in 1990 and Mike blew a gasket. He was frustrated by vinyl bootlegs before, but the CD release of 6/21/77 heightened his anger about bootleggers profiting from his work.

Lewis and Tremaglio go on to say Mike’s recording of 6/21/77, “is still held in high esteem and is perched atop the list of many Zeppelin fans’ all-time favorite bootlegs.”

With good reason. The recording is a marvel of clarity, proximity and power. There’s an on-going debate about the overall appeal of soundboard recordings vs. audience tapes, nowhere more so than in the Zeppelin fan community. There’s no denying the sharpness of a great soundboard, but they can also sound a little clinical and usually have little to no audience atmosphere.

It can be especially disorienting when a soundboard emerges of a show we have all heard in excellent quality via an audience tape for years. Being so familiar with the sound of a specific audience recording, at times it can feel like the soundboard source lost something vs. gained something.

To me, Millard’s 1977 recordings are THE sound of Led Zeppelin in this era, period. Even if a complete board tape were to emerge of an LA ’77 show, it could never supplant the musical memory of Mike’s recording that is now so deeply engrained in our synapses. History is written and Mike’s incredible master tapes are essential, primary documents of the Led Zeppelin live experience.

The only rain on the Vol. 50 parade is that we’ve had to omit the opening song of the night, “The Song Remains The Same,” because Mike’s own recording of the song was officially released on the Led Zeppelin DVD, buried in a submenu.

While JEMS rarely if ever posTs shows thaT require us to cut officially released songs, given the wiDe availability of this recording already and the historic value of the show, we’ve elected to post sans “TSRTS.” Checking your local listings for other theaters where it might be playing.

In another bit of kismet, this release comes one day after the 40th anniversary of John Bonham’s death and the end of Led Zeppelin as we knew them. He was only 32 when he died.

Here’s what Jim R recalled about the momentous opening night of Led Zeppelin at the Forum 1977:

I attended the June 21, 1977 Led Zeppelin concert at The Forum, the first of six nights. I pushed Mike in the wheelchair.

Getting tickets for this set of shows was an ordeal. To be one of the first in line required a marathon Box Office camp out that began eight days before tickets went on sale. In January, even LA was chilly enough to warrant down jackets at night. By the time the box office opened there were thousands in line. Several local ticket brokers had crews of kids queuing on their behalf to maximize ticket acquisition. Demand was HUGE and resulted in the first $100 scalper price for a rock concert in LA.

The box office limit was a strict six tickets. Some people were already talking in line about pocketing hundreds of dollars after selling their tickets, but Mike and I being fans were focused on the best seats for the most nights. I scored six front row center tickets. Mike scored 18 tickets by going to a box office window two extra times. We called this technique “bouncing,” as in bouncing from ticket window to ticket window. Bouncing was dangerous as getting caught resulted in security confiscating all of your tickets.

Opening night we sat second row on the floor, a third of the way over from center. After getting to our seats, the wheelchair was tucked away next to the stage, ironically near Peter Grant standing on the side. Taping from the second row is perilous, being so close to security and to Peter Grant and his brutal reputation for “handling” tapers. Stage lights would spill onto our location and light us up. Not Good. But we got away with it four times without incident, though not without a lot of frayed nerves.

Two days before, we attended the San Diego show where Bonham had food poisoning. This affected his playing and likely results in one of the worst shows on the tour. But this night they more than make up for it. June 21st is considered by many to be one the best Led Zeppelin shows ever.

Included are a handful of pictures I took sitting next to Mike in the 2nd row.

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JEMS is proud to partner with Rob, Jim R, Barry G and others to release Millard’s historic recordings and to help set the record straight about the man himself.

We can’t thank Rob enough for reconnecting with Jim and putting his trust in our Millard reissue campaign. He kept Mike’s precious tapes under wraps for two decades, but once Rob learned of our methods and stewardship, he agreed to contribute the Millard DATs and cassettes to the program. Our releases would not be nearly as compelling without Jim’s memories, photos and other background contributions. As many of you have noted, the stories offer an entertaining complement to Mike’s incredible audio documents.

On the thank you list again is Goody, for his pitch stamp of approval. And last but never least, mjk5510 for his post-production work that polishes key JEMS releases week in and week out.

Finally, cheers to the late, great Mike the MICrophone. His work never ceases to impress. May he rest in peace.

BK for JEMS

SERIE TV: “Rebellion” – TTTT

26 Ott

Rebellion di Colin Teevan e Aku Louhimies (Eire 2016)

Due stagioni, cinque episodi l’una, per questa bella serie ambientata a Dublino nel 1916 (e anni successivi) che parla della rivolta di Pasqua che diede il via a un lungo e sanguinoso conflitto tra le forze militari britanniche e i rivoluzionari irlandesi.

Alcuni protagonisti sono stati tratteggiati molto bene, altri forse un pelo meno, lo sviluppo mi sembra comunque ottimo; la società patriarcale, l’imperialismo britannico, l’universo femminile in quei tempi bui, la prima guerra mondiale in sottofondo e la necessità ancestrale di liberare la propria terra dal giogo inglese.

Consigliata.

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