Non mi piacciono gli unplugged e in genere gli album che tolgono watt alla musica piena di potenza; credo che quella moda di inizio anni novanta messa in piedi da MTV fosse pessima. Tovo sia da imbecilli mettere in acustico musica nata elettrica, soprattutto se lo si fa pari pari, senza rielaborare parti, riff, accordature. Ricordo ancora con fastidio l’unplugged dei miei amati AEROSMITH. Io, nel mio piccolo, rifiuto quelle poche serate in versione acustica che vengono proposte al mio gruppo (che senso ha andare a suonare in una pizzeria CAN’T GET ENOUGH con due chitarre acustiche scordate, una basso tenuto basso e un rullante reso muto?). Non amo nemmeno quegli unplugged più elaborati, come quelli di CLAPTON e ROD STEWART ad esempio, perché poi diventano greatest hits per chi gira in BMW, frequenta Sporting Club e gioca a golf. Intendiamoci, la musica acustica mi piace, ma quando nasce in quella veste. Ho faticato dunque a comprare questo LIVE FROM TYHE MANTICORE HALL, il pay off “An Intimate Evening With ” mi dà da fare, il pericolo che tutto diventi musica da matrimoni è sempre dietro l’angolo, ma potevo esimermi? Si tratta pur sempre di un album di due dei miei musicisti preferiti in assoluto.
Il Cd contiene una selezione di brani presi da una data del tour americano del 2010, tour che sarebbe dovuto arrivare anche qui, io, la groupie e Beppe Riva avevamo già in mano i biglietti, ma a causa di una operazione urgente EMERSON fu costretto a dare forfait. Sarei andato solo per vederli, non tanto per la musica, perché lo spettacolo era basato sulle performance dei due assi inglesi aiutati da basi e batterie elettroniche. Questa è una cosa che io non riesco a reggere. Tastiere dal suono ridondante che vengono innestate sopra al piano di chi un giorno fu il keyboard wizard universale, chitarre acustiche che raddoppiano quella che LAKE sta suonando come in C’EST LA VIE ad esempio, rendendo il cantato meccanico e poco fluido (LAKE che allunga la frase per aspettare il giro della chitarra registrata), batterie elettroniche incagabili come quella di PIRATES.
La scaletta poi è poco emozionante, nessuna scelta obliqua, che so una FOR YOU (sì, da LOVE BEACH!) o qualcos’altro di meno scontato, anche l’atteggiamento è da crowd pleaser vedi l’insistenza con cui EMERSON gigioneggia con l’assolo di moog di LUCKY MAN nell’introduzione al pezzo; poi è chiaro, ci sono anche momenti di grande musica e di buone performance, al di là dei problemi alle mani di EMERSON che a volte lo rendono insicuro: come si può rimanere insensibili alla struggente bellezza di I TALK TO THE WIND e TAKE A PEBBLE ad esempio? Così, cari KEITH & GREGG la sufficienza la portate a casa, ma non è un granché per chi ci aveva abituati all’eccellenza. Sì, certo, gli anni che passano, la vecchiaia … ma voi non fate blues, se non siete più tecnicamente all’altezza della vostra grande, ineguagliabile, fantasmagorica musica, allora forse è meglio chiudere. Io non voglio vedere KEITH EMERSON e GREG LAKE che giocano in serie B, dopo averli visti giocare tutta la vita in Champions League.
Emerson & Lake
(Broken) English
I do not like unplugged and in general the albums that remove watts from music full of power; I think that that fashion was set up by MTV at the beginning of the nineties s was bad. I find a idiot thing to put in acoustic music born electric, especially if you do it verbatim, without rework parts, riffs, tunings. I still remember the annoyance of my beloved AEROSMITH’s unplugged. I, in my small way, I refuse those few evenings in the acoustic version that are proposed to my group (which is the point of going out and playing in a pizzeria CAN NOT GET ENOUGH with two acoustic guitars not in tune, a bass and a snare drum kept low muted? ). I do not like those unplugged even more elaborate, such as those CLAPTON and ROD STEWART for example, because then they become greatest hits for those who drive a BMW, who are Sporting Club members and play golf. Mind you, I like the acoustic music, but when it is born in that enviroment. So I struggled to buy this LIVE FROM MANTICORE HALL, the pay off “An Intimate Evening With” gives me a bad feeling, the danger that everything becomes music for weddings is always around the corner, but how could I not fail? It is still an album of two of my favorite musicians ever.
The CD contains a selection of songs taken from a 2010 U.S. tour date, the tour was supposed to come here, I, the groupie and Beppe Riva we already had tickets in hand, but because of an urgent operation EMERSON was forced to forfeit. I would have gone just to see them, not so much for the music, because the show was based on the performance of the two British axes aided by prerecorded instruments and electronic drums. This is something that I can not stand. Keyboards sounding redundant, which are grafted on to the piano of who one day was the universal keyboard wizard, acoustic guitars which doubled the one that is playing in LAKE C’EST LA VIE, for example, making all a bit mechanical and vocals certainly not fluid (LAKE stretching the sentence to wait for the turn of the recorded guitar), ugly drum machines lile in PIRATES.
The song list is then unexciting, no “oblique”, no FOR YOU for example (yes, from LOVE BEACH!) or something less obvious, but the attitude is to be crowd pleaser see the insistence with which EMERSON is hustling before ‘LUCKY MAN with the moog solo references in the introduction to the piece; then of course, there are also moments of great music and good performance, beyond the problems at the hands of EMERSON that sometimes make him insecure, how you can remain indifferent to the haunting beauty of I TALK TO THE WIND and TAKE A PEBBLE for example? So, dear KEITH & GREGG sufficiency wear it at home, but is not great for those who had become accustomed to excellence. Yes, of course, the years pass, the old age … but you do not play blues, if you are not technically at the height of your great, unique, ghostly music, then maybe it is better to close down everything. I do not want to see KEITH EMERSON and GREG LAKE playing in Serie B, after seeing them play the whole life in the Champions League.
Detroit Michigan vuol dire ritmo, rumore e musica. E’ il suono delle catene di montaggio che da sempre sfornano le automobili, e’ la musica della Motown, il rock grezzo ad alta tensione degli MC5, il ruggito degli Stooges, la pulsazione della Techno.
Detroit e’ fatta di asfalto, miseria e canzoni. Detroit e’ la Rock City americana.
Girando nei suoi locali di notte, fra band punk rock e stelle underground abbiamo incontrato un personaggio particolare, che sembrava uscito da un racconto.
Ci siamo messi a parlare per caso e dopo un po’, incuriosito da questi Italiani in giro nella Motorcity, si presenta: Sono Victor Peraino, tastierista dei Kingdom Come di Arthur Brown. Restiamo molto sorpresi da questo incontro apparentemente fuori contesto. Cosa ci fa a Detroit, in una serata come questa? Certo, conosciamo i suoi dischi, ma lo immaginavamo Inglese, europeo al cento per cento, invece e’ qui, in questa citta’ strana che e’ nato e cresciuto. La nostra reciproca curiosita’ aumenta dopo le prime battute, ci scambiamo i numeri di telefono e decidiamo di chiamarci nei prossimi giorni.
La sua chiamata arriva la settimana dopo, accompagnata da una grossa sorpresa. Arthur Brown e’ con lui, e stanno ultimando delle registrazioni per il prossimo disco in uscita per l’etichetta italiana Black Widow… Se vogliamo, possiamo raggiungerli in studio l’indomani verso ora di pranzo per una lunga chiacchierata…
Inutile dire che il giorno dopo arriviamo all’indirizzo dello studio puntuali, increduli e un po’ emozionati…
“ Il mio e’ un cognome italiano, Peraino, la mia famiglia viene dalla Sicilia e io pur essendo stato in Italia diverse volte, da quelle parti ancora non ci sono passato… Sono cresciuto qui a Detroit e ho iniziato a suonare molto presto, alla fine degli anni sessanta non ancora maggiorenne. In quel periodo le band suonavano in locali non troppo grandi, spesso ex sale da ballo o piccoli teatri, che venivano trasformati in club pazzeschi, posti dove tutto poteva succedere…A San Francisco e New York c’erano i famosissimi Fillmore, qui era la Grande Ballroom. Un mio amico era il “MC” di quel posto fantastico, quello che saliva sul palco con il microfono ad introdurre le band… Io avevo diciassette anni soltanto e lui mi chiese se volevo entrare in un gruppo che stava formando, avevano bisogno di un batterista. Senza pensarci troppo dissi di si, e tutto e’ iniziato cosi… Una band praticamente nata dentro la Grande Ballroom, con i fratelli Rasmussen alla chitarra e basso, ci chiamavamo Up, e suonavamo garage rock un po’ ingenuo ma pieno di energia. Aprivamo le serate supportando band famose, abbiamo suonato innumerevoli volte con gli MC5 e altrettante con gli Stooges, i Frost e tanti altri. Tanto per dirne una, abbiamo suonato anche con i Cream! Pensa che una volta Dennis Thompson, il batterista degli MC5, mi chiese di aiutarlo alle percussioni per un concerto speciale. Dovevano suonare insieme alla Jimi Hendrix Experience…E quella fu la prima volta che incontrai Jimi, facemmo subito amicizia nei camerini…”
La prima?! Perché lo hai incontrato ancora?
“ Sì. Avevo deciso di chiudere la mia esperienza con gli Up, e muovermi in una differente direzione artistica, non piu’ necessariamente legata a quel tipo di suoni. Nel frattempo ero a New York con amici e amiche, erano i giorni del festival di Woodstock e avevamo pensato all’ultimo momento di andarci. Arrivati in zona ci rendiamo conto che le strade erano tutte bloccate, tranne una stradina sterrata, probabilmente usata dai trattori. Mi metto a guidare molto lentamente su questo sentiero, e dopo un po’ vediamo come in un miraggio apparire le luci del palco…Continuiamo increduli, fino a ritrovarci nell’area backstage, dove finiva questa sterrata. Avevamo veramente un look da rockstar e la security all’epoca non era certo come oggi, ci siamo quindi messi a girare nell’area artisti senza problemi, quando vedo Hendrix andare verso un camper. Gli vado incontro, gli ricordo del concerto insieme a Detroit, e lui si ferma a fumare e parlare con noi per un po’. Poi mi dice di seguirlo che di li a poco avrebbe dovuto suonare, e cosi mi sono goduto a pochi metri da lui la sua storica esibizione a Woodstock!”
Ora si unisce a noi anche Arthur Brown, in perfetta forma e con gli occhi luminosi di entusiasmo. E’ una leggenda vivente, ha attraversato da protagonista tutta la storia del rock, e ce lo ritroviamo davanti, felice di questa inaspettata opportunita’ di condividere con noi e Victor alcuni ricordi dei loro momenti insieme.
A questo punto mi viene spontanea la domanda: Ma tu ragazzo di Detroit, come ci sei finito nella band di Arthur Brown?! Come vi siete incontrati!?
“ E’ stato tutto un concatenarsi di piccoli eventi, che passo dopo passo ci hanno portato ad incontrarci…Uno di quei percorsi strani, un po’ magici, che la vita alle volte ti presenta e tu lo segui cosi, un po’ per istinto, senza sapere bene perche’. Io avevo chiuso con la batteria e con un certo tipo di rock. Band come Moody Blues, King Crimson e Genesis mi avevano spinto verso una ricerca sonora piu’ complessa, volevo suonare le tastiere ed elaborare un esperienza diversa. Per farlo avevo bisogno di un Mellotron, ma qui negli States all’epoca era molto costoso. Mi resi conto che era piu’ conveniente andare in Inghilterra alla fabbrica, farmene fare uno, passare qualche settimana in Europa e riportarlo indietro, piuttosto che comprarlo qui in Michigan…Il mio manager mi diede un paio di contatti a Londra di persone da cui poter stare e cosi sono partito. Tutto ando’ benissimo, e mentre aspettavo che mi facessero il mio Mellotron, presi un furgone Volkswagen e me ne andai in giro per l’Europa. Dopo aver attraversato la Germania e buona parte dell’Italia arrivai a Roma. Qui incontrai una ragazza bellissima e passammo insieme diversi giorni. Il posto all’epoca in cui si radunavano tutti gli hippies di passaggio nella capitale era la scalinata di Piazza di Spagna …
Piazza di Spagna anni sessanta di Victor Peraino
… un pomeriggio mentre ero li che suonavo il flauto incontrai per puro caso alcuni dei tipi che mi avevano ospitato a Londra. Ricordo che una di loro era la fidanzata di Mike Oldfield, e che avevano intenzione di tornare in Inghilterra il giorno dopo. Dovevo andare anche io, quindi offrii un passaggio volentieri. Durante il viaggio mi dissero che una volta a Londra sarebbero andati al festival di Reading con Arthur Brown, e che se la cosa mi interessava mi sarei potuto unire a loro…E cosi, come per incanto, dopo un paio di giorni mi ritrovo nei camerini del festival a parlare con Arthur di musica e sintetizzatori, come fossimo vecchi amici. Arriva il momento del concerto e il loro tastierista non si presenta…all’ultimo minuto Arthur si volta e mi dice di salire sul palco con loro e tirare fuori qualche suono dal loro synth VCS3…”
Arthur & Victor VCS3
Ma come, senza averti mai visto prima, senza prove, senza sapere i loro pezzi, cosi al volo?! A questo punto interviene Arthur con una risata esplosiva “ Ahahah!! Si, e’ andata proprio cosi, vista la situazione ho pensato meglio provare con lui che senza tastiere, e infatti se l’e’ cavata alla grande, e’ stato un concerto bellissimo e l’inizio di una lunga amicizia umana e artistica!” E’ molto bello vederli insieme oggi, a ricordare questi momenti e raccontarceli a noi.
“ Prima di salire sul palco, non avendo idea che questa cosa sarebbe successa, mi ero fumato una canna enorme, e provate a pensare come mi sentivo pochi minuti dopo, improvvisamente sul palco del festival di Reading, decine di migliaia di persone e io davanti a un VCS3 che non avevo mai visto in vita mia, a connettere cavi e sperimentare suoni con una band che non avevo mai sentito prima! Follia pura…Ma mi trovai molto bene in quella follia, cosi che entrai nella band seduta stante, e caricato a bordo il Mellotron andammo in tour e poi in studio. Era la realizzazione del mio sogno artistico, non avrei potuto sperare di essere in nessun altro gruppo che L’Arthur Brown Kingdom Come di quel periodo.”
Insieme registrarono un disco incredibile, capolavoro di psichedelia, progressive e space rock: Journey. Probabilmente il primo album ad essere interamente sostenuto dai ritmi della drum machine, e’ un susseguirsi di brani molto itensi. la voce di Brown e la chitarra di Andy Derby viaggiano nelle pulsazioni elettroniche e nelle tastiere visionarie di Victor Peraino, un disco che ancora oggi non ha perso un grammo della sua spiazzante originalita’.
Victor Peraino
Continuano insieme Arthur e Victor sull’onda dei ricordi…
“ Il tour di Journey fu un esperienza fortissima. Abbiamo suonato in tanti posti e in situazioni diversissime. Pensa che per un po’ abbiamo avuto come support i Queen! Non li conosceva ancora nessuno e il loro manager non riusciva a trovare una label interessata alla loro proprosta…E poi trovavamo sempre situazioni, persone strane, inusuali. Ricordo una volta che al concerto si presento’ un tipo con una quantita’ infinita di LSD gratuita per tutti. Band, pubblico, personale del locale, eravamo tutti totalmente in acido nello stesso momento! A fine show arriva da noi una tipa del tutto stravolta e ci dice Ragazzi! Mentre suonavate ho visto Dio!! E noi, esausti e alterati a nostra volta, le diciamo si, si certo, ok…Ma lei va verso un lavandino, infila la testa sotto l’acqua e poi torna di corsa da noi con i capelli tutti bagnati e gocciolanti, ci si piazza davanti e dice Ci credete adesso!?!? Si, certo, ci crediamo, come no, stai tranquilla…Ma si vede che non avevamo la faccia abbastanza convinta, non sembravamo abbastanza credenti, e lei di punto in bianco si toglie di dosso tutti i vestiti, e si mette a uralre Ho visto Dio! Ora vi scopo a tutti quanti siete e vediamo se finalmente mi credete!!! Ahahah! Erano giorni strani quelli del tour di Journey…”
Adesso e’ Arthur Brown a parlare. “ Avremmo potuto andare avanti, era veramente un piacere suonare con quella formazione. Ma io ero in un periodo di crisi personale, avevo bisogno di ritirarmi per un po’ dalle scene, e seguire un mio percorso spirituale. Eravamo sul Lago di Ginevra e presi la decisione che una volta finiti i concerti ancora da fare, avrei di fatto sciolto la band.”
Kingdom Come Full band L.A
Erano finiti i giorni dell’ Arthur Brown Kingdom Come, una delle esperienze piu’ interessanti della scena prog underground inglese. Ma non era certo finita per Victor, il quale prese tastiere e bagagli torno’ nella sua Detroit. Aveva scoperto tante cose in quel periodo…” Mi piaceva tantissimo stare sul palco e creare una certa teatralita’, uno spettacolo che fosse anche visivo, con costumi trucchi e tutto il resto…Mi piacevano i suoni del prog europeo, mi piaceva la ricerca, la sperimentazione, l’apertura mentale che avevo trovato da quelle parti…Decisi allora di portare qui in America alcuni dei musicisti Inglesi che avevo incontrato, e registrare un disco con il mio nome. Ma per problemi di visto di ingresso dei musicisti la cosa stava per sfumare…Poi pero’ decidemmo di tentare il passaggio di confine dal Canada, in modo da aggirare i controlli alla frontiera! La cosa riusci, e registrammo No Man’s Land, a nome del Victor Peraino’s Kingdom Come. In quel disco, ristampato poi dalla Italiana Black Widow, oltre a suonare tutte le tastiere cantavo anche, cosa che ho continuato a fare da allora in poi.”
E’ un disco particolare No man’s Land, con al suo interno diversi gioielli nascosti del progressive anni settanta. Dominano le tastiere, ma in un modo diverso dal solito, meno legate ai virtuosismi classicheggianti dei contemporanei, volte piu’ a creare un suono di atmosfera, un ambientazione per ogni brano, con la voce di Peraino che arriva perfetta in questo contesto. Un disco molto interessante con una copertina bellissima, di quelle che non si dimenticano e che ti fanno viaggiare con la fantasia.
Sono passati molti anni da allora, e sia Victor che Arthur Brown hanno attraversato differenti momenti nelle loro carriere e nei loro percorsi esistenziali ed artistici.
Ma il destino li ha portati ancora ad unire le rispettive sensibilita’, inaspettatamente, come sempre capita nelle cose piu’ belle, quelle che accadono senza forzature, senza essere costruite a tavolino da nessuno.
“ Ci siamo ritrovati dopo tanto, tantissimo tempo, e come se fosse la cosa piu naturale del mondo abbiamo iniziato a comporre, a suonare insieme in studio e live. Io sono andato in Inghilterra e mi sono unito ai concerti di Arthur, lui e’ venuto a Detroit e abbiamo registrato diverso materiale…Abbiamo ricominciato a sperimentare, a provare suoni strani, vecchi synth, computer, esoterismi e antichi rituali spazio temporali, e ora…Stiamo continuando a farlo divertendoci da matti!”
Li lasciamo alle loro cose, hanno altro materiale da registrare, alcuni dei pezzi andranno nel nuovo album, il titolo e’ “Journey in Time”. Esattamente quello che hanno fatto insieme a noi Victor Peraino e Arthur Brown.
Victor Peraino Preforming Los Angeles
ENGLISH:
Detroit Michigan means rythm, noise and music. It’s the sound of the working class at the assembly lines that every day create new automobiles, it’s Motown music, it’s raw high energy rock and roll of MC5 and The Stooges, it’ the endeless pulse of Techno.
Detroit is made of asphalt, poverty and songs. Detroit is the Rock City.
Wandering around in clubs, with punk rock bands and underground stars, we met a very special guy, somebody that seems as if he is coming out of a novel.
We start talking, and after a while he introduces himself: I am Victor Peraino, keyboard player of Kingdom Come and the legendary Arthur Brown. We are so surprised.. What is he doing in Detroit on a night like this? Sure, we know his records, and we tought he was british, one hundred percent european, but no, he is a Detroiter born and raised in the Motor city. Our curiosity grows while we talk to each other, and so we decide to exchange our phone numbers and keep in touch.
His call arrives in the next week, with a big surprise. Arthur Brown is with him, they are working on some recordings for a new album, coming out on the Italian label Black Widow…If we want we can meet each other at the studio the next day.
So, here we are, in time, excited and a little bit nervous…
“ Mine is an Italian name, Peraino, my family is from Sicily and i have been in Italy more than once…I grew up in Detroit and started playing music immediately, at the end of the sixties when I was a teen ager. At that time bands used to play in clubs not too big, often old dancing ballrooms or theaters, transformed into amazing venues where everything and anything could happen all the time. In San Francisco and New York there was the famous Fillmore, here in Detroit there was the Grande Ballroom. A friend of mine was the “MC” in that crazy place…I was only seventeen and he asked me if i wanted to join a band that he was putting togheter because they needed a drummer. I said yes without hesitation, and everything started…a band born in the Grande Ballroom, with the Rasmussen brothers on guitar and bass, we were called UP. We played our version of garage rock. We were often opening for very big names, many times sharing the bill with Stooges and MC5, Frost and many others. We even opened for Cream one night! Then one day Dennis Thompson,the drummer of the MC5, asked me if i wanted to play percussion on stage with him at a very special show at the Masonic Temple with Jimi Hendrix Experience. That was the first time i met Jimi, and we became friends in the dressing room.”
First time? Did you met him again?
“ Yes. I ended my experience with UP, and i felt the desire to move in a different direction, no longer connected with that kind of sound. In the meantime i was in New York with some friends, the Woodstock festival was happening at that time and we all decided to go at the very last minute. Once we arrived there we figured out that all roads were packed with endless lines of cars. So we found a little dirt road, maybe used by farmers with their tractors. I started driving along this tiny road very slowly, and after a while the lights of the stage appeared in front of us like in a dream. I kept going and we all ended up in the backstage area. Security was nothing like it is today, and we looked like a band, so nobody bothered us and we wandered in the artist’s area when, all of a sudden, i saw Hendrix…i went to him and he remeber very well our meeting in Detroit, so we were togheter backstage smoking and talking, when he realized it’s time to go on stage. So i was right there, on the side of the stage during his legendary show in Woodstock.”
Now Arthur Brown joins our conversation, in perfect shape with a sparkle of enthusiasm in his eyes. He is a living legend, a major figure all through the history of rock music, happy to share with us and Victor memories of their time togheter.
I can’t help to ask : How you, a Detroit kid, ended up in Arthur Brown’s band?!
“ it’s been a chain of events, that step by step brought us togheter…One of the strange and magical paths that life sometimes gives to you…and all you can do is follow, trusting your inuition without really knowing why…
Victor & Gtr L.A. 1984
I was tired of playing drums. I was inspired by new bands like Moody Blues, King Crimson, Genesis, wishing to go in a different direction. I wanted to play keyboards and start a new musical experience. To do that, i really needed to buy a Mellotron. I found out it was more expensive to import one in the States than going to England myself, and having one made for me over there. My manager gave me some contacts with the right people and off i went. Everything turned out great, and while i was waiting to have my Mellotron made, i rented a Volkswagen van and drove through Germany, and all the way to Rome Italy. I met a beautiful girl there, and we had a great time in the city. At the time the place where all Hippies, musicians and strange people from all over the world were meeting each other was Piazza di Spagna. One day, while i was there playing flute sitting on the steps of the big ancient stairs, i saw some of the people that let me stay in their place in London. One of them was Mike Oldfield’s girlfriend and they were getting ready to go back to England. So i offered them a ride, and on the way home they asked me if i wanted to join them in the next days, going to the Reading festival with Arthur Brown’s Kingdom Come band. And so, like in a dream, i found myself backstage at the Reading festival talking with Arthur about music and syntesizers like old friends! When the time came to go on stage, their keyboard players didn’t show up! At the very last moment Arthur came to me and asked me to join the band, “just go on stage and make some noise with our brand new synth VCS3!”…Without even knowing their songs or any chance to practice what so ever! “
Now Arthur is talking with a big laughter…“ Ahahaha!! Yeah, this is exactly how happened! I thought, better to try with this guy than no keybords…And that was a great choice…a great show and the beginning of a very long personal and artistic realtionship!”
It’ beautiful to see them togheter today, sharing their memories with us.
“ Right before going on stage, not knowing what was happening, i smoked a big fat joint made of hashish mixed with weed…Try to imagine how i felt, on stage with all the lights , and this VCS3 that i not only saw or played before, connecting cables and moving a kind of joystick to create strange loud sounds, with a band i never met before! That was pure craziness…But in some way i felt very good in that craziness and i joined the band on the spot. I had my brand new Mellotron, went on the bus and on tour with them. That was a dream for me, i couldn’t hope to be in a better band than Kingdon Come at that time: Theatrical, experimental, melodic and powerful all at the same time. Just perfect.
Arthur & Victior in London 2012
They recorded an amazing album, a strange mix of psychedelia, progressive and space rock: “ Journey “. One of the first, if not the first, rock album based on the beat of a drum machine, a collection of very intense tracks. Brown’s voice and the magic guitar of Andy Dalby traveled through the electronic beats and the visionary keyboards of Victor Peraino, a record still very strong and unique today, after all these years.
“ The tour of Journey was such a strong experience for all of us. We played in many places and in very different situations. For a while our opening band was Queen! Nobody knew them at the time, and their manger was ready to drop them, because there weren’t any label interested in their music…Every night was a different and strange situation. We did one gig and this guy came with a lot of free LSD for everybody in the place. Band, crowd, people working at the venue, everybody was tripping at the same time! As soon as the show ended, this girl came in the dressing room and shouted “ Guys! While you were playing i saw god!! “ We were exausted and still tripping out of our mind, so we told her, yeah, sure, ok…And then she ran to the sink, put her head under the water and then ran back to us, with her hair dripping wet yelled “ I saw god,do you belive me now!?! “ Yeah, we belive you, take it easy, it’s ok…Maybe our faces were not enough like belivers, and so all of a sudden, she took all her clothes off, jumped on a chair and screamed on top of her lungs “ I am going to fuck each and everyone of you!!! I saw god, do you belive me now?!?!? “ That tour was a crazy time man! “
Now is Arthur speaking. “ We could go on, it was really a pleasure to play with the Journey line up. But i was going through a time of personal changes, i needed to go on my own spiritual path for a while. We were near the Ginevra Lake when i decided that i want to brake up the band.”
The days of Arthur Brown Kingdom Come were over, and so was one of the most exciting band of the british progressive underground scene.
Of course it was not over for Victor. He packed the keyboards and his dreams and came back to Detroit. By then he understood a few important things. “ I love to be on stage and put togheter a show not only about music, but also something to be seen, to be experienced with all your senses, with make up, coustumes, lights and more. I love the european progressive sound, the feeling of exploring different musical landscapes, i love the open mind attitude that i found over there in europe. So i decided to bring to Detroit some of the musicians i met in England, and make a record in my name. We had a very hard time bringing them across the border because of some visa issues. But i didn’t give up, and we managed to bring them across the border through Canada. In some way…Everything went fine, and we recorded “ No Man’s Land “ by Victor Peraino’s Kingdom Come. In that record, now avalabile on Black Widow, other than just play keyboards, i started singing.”
It’s a very special album No Man’s Land, with many golden nuggets of seventies prog rock. A very keyboards driven work, with a special feeling, different from one track to the next, with the beautiful voice of Peraino, perfect in this place.
A very interesting record with a wonderful cover, the kind that you can’t forget and makes you travel with your fantasy.
It’s been a long time, and both Victor and Arthur Brown had been going through different stages of their musical careers and personal lives. But somehow, someway, life crossed their paths again, in a very natural and easy way, like it was meant to be. That’s the way magic is.
“ We met each other again after a very long time, and like it was the most natural thing to do, we started playing and writing music togheter again. I went in England a couple of times and joined Arthur during some special shows, he came back to Detroit and we recorded some new stuff… And here we are, experimenting again, discovering new sounds, computers, esoteric things,ancient rituals of space and time…and we are having a great time! “
It’s time for us to go. they are working with Skid Marx on some new songs, the new album is out and it’s called “ Journey in Time “ . Like the one we took, with Victor Peraino and Arthur Brown.
Journey in Time is out now on Black Widow Records. Victor Peraino’s Kingdom Come will play live at the Token Lounge, Westland MI Saturday 8/9-
Nelle prime ore di stamattina se ne è andato JOHNNY WINTER, era ricoverato in una clinica di Zurigo, le cause di morte non sono state rivelate, aveva 70 anni. L’annuncio è stato dato da JENDA DERRINGER, moglie del suo grande amico RICK. Questa, dopo quella di JOHN BONHAM, è la prima morte di un musicista Rock che mi colpisce tremendamente, che mi travolge, che mi lascia quasi senza fiato. Scoprii JOHNNY che ero un ragazzino, nella seconda metà degli anni settanta, fin da subito i suoi album AND e AND LIVE mi entrarono in circolo e la sua musica lasciò un imprinting indelebile sulla mia anima, insieme a quella dei LED ZEP, ELP, FREE e BAD COMPANY. Questo blog questa mattina piange dunque la perdita di una grandissimo chitarrista Rock-Blues, uno dei nostri padri putativi, uno che nel periodo 1970-75 pubblicò alcuni degli album più belli da noi mai sentiti: AND, AND LIVE, STILL ALIVE AND WELL, SAINTS & SINNERS, JOHN DAWSON WINTER III e CAPTURED LIVE. Addio Johnny, con le lacrime agli occhi uno dei tuoi discepoli ti augura che il viaggio verso l’ignoto sia il più dolce possibile. Con riconoscenza e amore, Tim Tirelli.
In the early hours of this morning JOHNNY WINTER passed away in a clinic in Zurich, the causes of death were not disclosed, he was 70 years old. The announcement was made by Jenda DERRINGER, the wife of his friend Rick. This, after that of JOHN BONHAM, is the first death of a rock musician that strikes me tremendously, that overwhelms me, which leaves me almost breathless. I discovered JOHNNY when I was a kid, in the second half of the seventies, his albums AND & AND LIVE entered in my circulation and his music left an indelible imprint on my soul, along with that of the LED ZEP, ELP, FREE and BAD COMPANY. This blog this morning is crying, therefore, the loss of a great Rock-Blues guitarist, one of our putative fathers, one that in the period 1970-75 published some of the most beautiful album we ever heard: AND, AND LIVE, STILL ALIVE AND WELL, SAINTS & SINNERS, JOHN DAWSON WINTER III and CAPTURED LIVE. Goodbye Johnny, with tears in the eyes one of your disciples wish you a sweet as possible journey into the unknown. With gratitude and much love, Tim Tirelli.
Con un po’ in ritardo ecco la seconda puntata riguardante le prime tre super deluxe edition dei LED ZEPPELIN. ORIGINAL ALBUM – LZ FAN: TTTTT+
ORIGINAL ALBUM – CASUAL FAN: TTTTT+
BONUS DISC – LZ FAN: TTT
BONUS DISC – CASUAL FAN: TT
PACKAGING: TTTT
Disc 1: Original album (released as Atlantic 588198 (U.K.)/SD-8236, 1969)
Whole Lotta Love
What Is and What Should Never Be
The Lemon Song
Thank You
Heartbreaker
Living Loving Maid (She’s Just a Woman)
Ramble On
Moby Dick
Bring It On Home
Ottobre 1969, i LED ZEPPELIN sono uno degli eventi più significativi della musica Rock dell’anno in corso, il primo disco è andato benissimo, i concerti – grazie ad un passaparola costante e martellante – diventano una sorta di happening a cui partecipare a tutti i costi, tutti vogliono vedere la nuova band inglese che sta infiammando quella che sta diventando LA musica Rock. A soli 10 mesi dal primo album, in quello splendido autunno, la prestigiosa ATLANTIC Records fa uscire LED ZEPPELIN II. Sarà un disco epocale, la definizione ultima del rock proveniente dal blues, il getto di lava altissimo che il vulcano del british blues scarica sul mondo, la perpendicolare universale a cui tutte le altre rette del Rock si appoggeranno per creare quegli angoli meravigliosi di musica che tutti amiamo. LZ II miglior esempio di musica Rock in senso stretto. Scritto e registrato durante gli incessanti tour del 1969 in diversi studi musicali, l’album è già molto più avanti del primo: pezzi definiti e brillanti, arrangiamenti senza pecche, esecuzioni formidabili, produzione magnifica, un sound spaziale, un guitar sound denso, tondo e caldo e una combinazioni di riff mai sentita sino ad allora. L’album volò al primo posto in USA, UK, CANADA, AUSTRALIA, SPAGNA e GERMANIA. al secondo in ITALIA, al terzo in FRANCIA, all’ottavo in GIAPPONE. Ad oggi negli USA ha venduto più di 12 milioni di copie, 1,2 milioni in UK. Nel 1970 fu il quarto album più venduto in Italia, battuto solo da MINA e dai BEATLES (Abbey Road e Let It Be).
LZ 1969 promo
Per LZ II JIMMY PAGE, chitarrista-leader-produttore-compositore-architetto sonoro-visionario, abbandona la Telecaster e passa alla GIBSON LES PAUL STANDARD, la chitarra che lo consacrerà uno dei quattro chitarristi dell’apocalisse, una chitarra che lui consacrerà icona della musica Rock.
WHOLE LOTTA LOVE potrà anche avere il testo basato su YOU NEED LOVE di willie dixon (scritto in piccolo, nessuna stima per l’uomo) e il cantato su YOU NEED LOVIN’ degli SMALL FACES, ma rimane un momento fondamentale della genesi originale della musica rock. Un riff di chitarra all’apparenza semplice ma di una forza propulsiva fino ad allora inimmaginabile, un suono di chitarra grosso e grasso, un basso che duplica il disegno della chitarra, un batterista che batte il ritmo come un fabbro ferraio batte il metallo sull’incudine sull’onda di una dinamica che solo lui possiede, un break strumentale e sperimentale dove gli effetti del Theremin e i versi di PLANT simulano un orgasmo cosmico. C’è poi l’assolo di chitarra: quanti aggettivi bisogna usare per cercare a descriverlo? Dieci, venti? Sei frasi di chitarra – suonate col wah wah inserito ma senza agire sul pedale – che diventano le pagine principali dell’abbecedario dei guitar licks. Potenza dunque ma anche tanta prelibatezza musicale. Il testo è sfacciato, volgarotto, dritto al punto, un rigurgito delle allusioni nemmeno tanto velate al sesso di derivazione blues, nulla di speciale se non uno schiaffo di concretezza carnale alle pulsioni intellettualoidi dei gruppi californiani seconda metà anni sessanta. Curioso come nessuno sia mai riuscito a dare una versione live convincente del pezzo, nemmeno i LZ. Ci hanno, ci abbiamo, provato in milioni ma nessuno è mai riuscito ad imprimere alle tre note (che poi sono 4 anzi 5) che compongono il riff il giusto accento, l’esatto swing, il sospiro magico. Ascoltato a volume alto WHOLE LOTTA LOVE manda in autocombustione l’animo di qualsiasi amante del Rock degno di questo nome.
WIAWSNB mette in scena giù al secondo pezzo la formula del light and shade tanto cara a PAGE: un soffio di dolcezza presto contrapposto al duro Rock alla LED ZEPPELIN. Gran bell’episodio, il primo (probabilmente) dedicato a Shirley Wilson, la sorella della moglie di PLANT. Il biondo di Birmingham ebbe una storia con lei prima di mettersi con Maureen e dopo il divorzio da quest’ultima. Plant ha avuto figli da entrambe. THE LEMON SONG in pratica è KILLING FLOOR con aggiunta la famosa frase di TRAVELING RIVERSIDE BLUES di ROBERT JOHNSON “spremimi il limone fino a che il succo non mi scenda lungo la gamba”. Audace PLANT a cantarla nell’Inghilterra del 1969, non che fosse stato facile per JOHNSON negli anni trenta, ma i “race records” erano dischi per le zone franche delle barrel houses e juke joints, dove certe frasette erano di casa. THANK YOU canta l’amore di RP per sua moglie sul giro melodico di RE-SOL-DO-RE e chiude con dolcezza il lato A del disco.
LZ 1969 promo
HEARTBREAKER però riporta subito l’album sui sentieri dell’hard rock; il riff diventerà leggendario così come l’assolo senza accompagnamento, una scarica di elettricità cosmica, magari un po’ sghemba ma efficacissima. Un plauso a PLANT: cantare su basi così crude e prive di appigli melodici non deve essere stato facile. LIVING LOVING MAID è spesso criticata dal pubblico anglo-americano, probabilmente per il testo, tra l’insipido e lo sciocchino. dedicato ad una groupie di una certa età che ormai non incanta più nessuno. In Italia è un brano apprezzato, un buon riff, un ritornello un po’ rhythm & blues e un finale d’assolo molto sexy. RAMBLE ON nelle tematiche si rifà a tradizioni britanniche, Il Signore Degli Anelli e tutte quelle sciocchezze che a me – figlio dell’Impero Romano – non interessano. Musicalmente il brano è un gioiellino: un gioco delizioso di chitarra acustica che si alterna al rock duro del ritornello. Bello comunque l’inizio del testo…le foglie che cadono, la luna d’autunno che illumina il cammino, il sentire che sta arrivando la pioggia.
MOBY DICK e un altro riff spettacolare arricchito da break di chitarra solista meravigliosi. Strano che un impianto di tal valore sia stato messo in piedi a cornice di un assolo di batteria. Ora, d’accordo, gli assoli di batteria all’epoca erano di gran moda, JOHN HENRY BONHAM è il miglior batterista Rock di tutti i tempi, ma forse un riff così imponente e ben strutturato poteva essere usato per un brano cantato. Chiude BRING IT HOME il blues di SONNY BOY WILLIAMSON: dapprima il gruppo fa il compitino e cerca di riprodurre il senso dell’originale, poi esplode grazie all’ennesimo riff deflagrante di PAGE.
Album dunque riuscitissimo, capitolo essenziale della musica Rock, patrimonio dell’umanità. PLANT che inizia a essere più maturo, i testi che timidamente si allontanano un po’ dagli stereotipi del blues; JOHN BONHAM che esce dalle retrovie e diventa definitivamente uno degli attori principali; JOHN PAUL JONES non ancora libero di esprimere le sue molteplici capacità ma punto fermo del gruppo grazie ad un lavoro di basso efficiente, efficace ed elegante; JIMMY PAGE che diventa IL chitarrista Rock.
ARTWORK: il gruppo non diede nessun input particolare a DAVID JUNIPER, l’autore della copertina, se non quello di cercare qualcosa di interessante. A me non soddisfa del tutto. Mi piace il dirigibile stilizzato tra il bianco e marrone, ma trovo l’idea di inserire le facce dei musicisti e di alcuni altri personaggi famosi su una vecchia foto di una squadriglia aerea tedesca della prima guerra mondiali, piuttosto comica. Il logo non mi dispiace, ma tra quelle nuvolette mi sembra sia in contrasto con la sagoma del dirigibile. Piuttosto sopra le righe ed autocelebrativo l’interno, che usa un linguaggio grafico diverso rispetto alla copertina.
Living Loving Maid (She’s Just a Woman) (Backing Track)
Ramble On (Alternate Mix)
Moby Dick (Alternate Mix)
La La (previously unreleased song)
Nulla di eccezionale per quanto riguarda il companion disc, soprattutto per il casual fan. Per il fan in senso stretto è interessante LA LA, uno strumentale inedito che però potrebbe essere una sorta di patchwork. Come gia scritto su OUTSIDER di giugno “al primo ascolto l’unica vera sorpresa è LA LA, un inedito strumentale di ottima fattura. Il mood del pezzo è un po’ quello di CHEST FEVER della BAND: organo, chitarra, basso e batteria su un ritmo sostenuto. Ricordiamo tra l’altro che di CHEST FEVER dovrebbe esistere una cover completa fatta dal gruppo proprio nel 1969. Il break di chitarra acustica è un po’ pasticciato, poi arriva l’elettrica e l’atmosfera diventa un po’ in stile WHO. Bell’assolo di chitarra, non troppo cesellato, ma vivo e palpitante … dopotutto è il Page del 1969 che parla. Sul finale la chitarra slide zompetta tra il bel basso di Jones e il drumming sempre spettacolare dell’indimenticato John Bonham”.
Di un certo interesse anche HEARTBREAKER, è un semplice missaggio alternativo, ma il suono della batteria è particolare, molto più nero, più black music intendo, rispetto a quello della versione originale. Gli altri alternate mixes non mi scaldano più di tanto, così come le backing track che però mi sono divertito ad ascoltare. JIMMY PAGE avrebbe dovuto proporci molto di più.
(BROKEN) ENGLISH VERSION
Disc 1: Original album (released as Atlantic 588198 (U.K.)/SD-8236, 1969)
October 1969 LED ZEPPELIN are one of the most significant events in rock music this year, the first disc did very well, concerts – thanks to word of mouth and constant pounding – become a sort of happening to attend to all costs, everyone wants to see the new British band that is inflaming what is becoming THE Rock music. Just 10 months after the first album, in that splendid autumn, the prestigious ATLANTIC Records realeses LED ZEPPELIN II. It will be a epochal album, the ultimate definition of rock from the blues, the stream of lava that the volcano of the British blues shoots very high and pours on the world, the universal perpendicular to which all other lines of the Rock will be supported to create those wonderful angles of music we all love. LZ II best example of rock music in the strict sense. Written and recorded during the incessant tours of 1969 in several music studios, the album is already far ahead of the first: sharp and brilliant pieces, flawless arrangements, terrific performances, great production, a space sound, a guitar sound dense, round and hot and a combination of hot and riffs ever heard until then. The album flew to n.1 the USA, UK, CANADA, AUSTRALIA, SPAIN and GERMANY charts, n.2 in ITALY, n.3 in FRANCE n.8 in JAPAN. To date, in the the U.S.it has sold over 12 million copies, 1.2 million in the UK. In 1970 it was the fourth best selling album in Italy, beaten only by MINA and the BEATLES (Abbey Road and Let It Be).
For LZ II JIMMY PAGE, leader-guitarist-producer-composer-architect-visionary sound, leave the Telecaster and goes to GIBSON LES PAUL STANDARD, the guitar that will make him one of four guitarists of the apocalypse, a guitar that he will consecrate as a icon of Rock music.
Whole Lotta Love may be based on the text of willie dixon (written in small, no respect for the man) YOU NEED LOVE and on the singing of YOU NEED LOVIN by the SMALL FACES, but it remains a fundamental moment in the original genesis of Rock music. A guitar riff seemingly simple but a driving force hitherto unimaginable, a big fat guitar sound, a bass that duplicates the design of the guitar, a drummer who beats the rhythm like a blacksmith beating on the metal ‘anvil on the wave of momentum that only he possesses, and an instrumental break where the effects of experimental Theremin and the verses of PLANT simulate a cosmic orgasm. Then there is the guitar solo: how many adjectives you have to use to try to describe it… ten, twenty? Six lead guitar breaks- played with the wah-wah pedal inserted – which become the main pages of primer guitar licks. Power, therefore, but also a lot of musical delicacy. The text is cheeky, dissolute, straight to the point, a regurgitation of the not so veiled allusions to sex-derived blues, nothing special if not a slap of concrete carnal impulses to the highbrow Californian groups of late sixties. Funny how no one has ever been able to give a convincing live version of the piece, even LZ. In millions have tried but nobody has been able to impress the three notes (which are in fact 4 or better 5) that make up the riff the right accent, the exact swing, the magical sigh. Listened at top volume WHOLE LOVE LOVE sends the spontaneous combustion of any rock lover soul worthy of the name.
WIAWSNB stages down to the second part of the formula light and shade so dear to PAGE: a breath of sweetness soon as opposed to LZ hard rock. very good episode, the first (probably) dedicated to Shirley Wilson, sister of the wife of PLANT. The Birmingham blonde had an affair with her before going with Maureen and after thedivorce from the latter. Plant had children by both. THE LEMON SONG is KILLING FLOOR with the addition of the famous phrase of ROBERT JOHNSON’S TRAVELING RIVERSIDE “squeeze my lemon until the juice runs down my leg.” PLANT daring to sing it in England in 1969, it was not that easy for JOHNSON in the thirties, but the “race records” were records for the free zones of the barrel houses and juke joints, where some sentences were common. THANK YOU sings the love of RP for his wife over melodic chord progression RE-SOL-DO-RE (D-G-C-D) and gently closes side one.
HEARTBREAKER put the album right back on the trails of hard rock; the riff become legendary as the solo without accompaniment, a burst of cosmic electricity, maybe a little ‘crooked but very effective. A praise to PLANT: to sing on bases so raw and unmelodic must not have been easy. LIVING LOVING MAID is often criticized by the Anglo-American public, probably for the insipid and sillylyrics dedicated to a groupie of a certain age who no longer enchants anymore. In Italy it is a popular song, a good riff, a chorus a little ‘rhythm & blues and a very sexy final solo. RAMBLE ON themes in harks back to British traditions, Lord Of The Rings and all that nonsense to me … I’m a son of the Roman Empire and I’m not not interested in it. Musically, the song is a gem: a delightful game of acoustic guitar that alternates with hard rock chorus. Beautiful however, the beginning of the text … the falling leaves, the autumn moon lighting the way, to hear that the rain is coming.
MOBY DICK is, another wonderfill riff enhanced by spectacular lead guitar breaks. Strange that a plant of this value has been set up to frame a drum solo. Now, I agree, the drum solos at the time were all the rage, JOHN HENRY BONHAM is the best rock drummer of all time, but maybe a riff so impressive and well structured could be used for a song sung. BRING IT HOME closes the album; it’s the SONNY BOY WILLIAMSON blues: at first the group does its homework and try to reproduce the sense of the original, then explodes thanks to yet another deflagrating JIMMY PAGE riff.
Therefore highly successful album, an essential chapter of Rock music, a world heritage album. PLANT starting to be more mature, luyrics shyly turn away a bit ‘from the stereotypes of the blues; JOHN BONHAM coming out from the back and finally becomes one of the main actors; JOHN PAUL JONES still not free to express his many skills but point of reference in the group thanks to the efficient, effective and elegant bass work; JIMMY PAGE becoming THE Rock guitarist.
ARTWORK: The group gave no particular input to DAVID JUNIPER, the author of the cover, if not to try something interesting. I do not fully comply. I like the stylized blimp between white and brown, but I find the idea of putting the faces of the musicians and some other celebrities on an old photo of a German air squadron of the First World War, rather comical. The logo I do not mind, but between those clouds seem to be in contrast with the shape of the airship. Rather over the top and self-indulgent interior, which uses a graphical language different than the cover.
Disc 2: Companion audio disc
Nothing exceptional as regards the companion disc, especially for the casual fan. For the fans in the strict sense it is interesting LA LA, one unreleased instrumental that could be a sort of patchwork. As already written on the june issue of the Italian mag OUTSIDER “at first listen the only real surprise is LA LA, an original instrumental of excellent workmanship. The mood of the piece is a bit like CHEST FEVER BAND: organ, guitar, bass and drums on a fast pace. among other things there should be a complete cover of CHEST FEVER recorded by the group in 1969. The acoustic guitar break is a bit ‘messy, then comes the electricity and the atmosphere becomes a bit’ WHO style. nice solo guitar, not too chiseled, but lively and vibrant… after all it is the Page of 1969 who speaks. OTowards the end a slide guitar skips between the beautiful bass playing of Jones and the always spectacular drumming of the unforgettable John Bonham “.
Of some interest also HEARTBREAKER, it is a simple alternative mix, but the sound of the drums is particularly black, more black music I mean, compared to the original version. The other alternate mixesI do not heat up too much, as well as the backing tracks but I enjoyed listening to. JIMMY PAGE was supposed to propose much more.
Ricevere i nuovi box set dei LZ è stata una emozione, pur con qualche angolo spiegazzato, ma sono confezioni pesanti e tutto sommato delicate, temo sia fisiologico riceverle con qualche ammaccatura se si sceglie la spedizione per corriere. Due LP, due CD, corposo ed elegante libro, cartellina-copia del primo press kit, cartoncino con riprodotta la cover e il numero della tua copia (su una tiratura di 30.000 … e qui il termine limited edition va a farsi benedire), nonché il codice per scaricare gratuitamente la versione digitale ad alta definizione.
LED ZEPPELIN I super deluxe edition (photo Tim Tirelli)
La confezione è grande e nel mio caso non è possibile sistemarla nello scaffale dei vinili, così devo adattarmi e riporla nell’armadio vetrinetta che ho in sala…
LED ZEPPELIN I super deluxe edition negli scaffali (photo Tim Tirelli)
ORIGINAL ALBUM – LZ FAN:TTTTT
ORIGINAL ALBUM – CASUAL FAN: TTTTT
BONUS DISC – LZ FAN: TT½
BONUS DISC – CASUAL FAN:TTTT
PACKAGING:TTTTT
Disc 1: Original album (released as Atlantic 588171 (U.K.)/SD-8216 (U.S.), 1969)
Good Times Bad Times
Babe I’m Gonna Leave You
You Shook Me
Dazed and Confused
Your Time is Gonna Come
Black Mountain Side
Communication Breakdown
I Can’t Quit You Baby
How Many More Times
Queste nuove superdeluxe edition sono anche un’occasione per riascoltarsi i dischi originali, e farlo col nuovo remaster di JOHN DAVIS è una piccola nuova esperienza. Credo che gli album dei LED ZEPPELIN non si siano mai sentiti così bene, e stiamo parlando di remaster mica di remix. Tutto sembra più chiaro, la musica respira meglio … mammia mia che bravo questo DAVIS. LED ZEPPELIN I, che disco … registrato alla fine del 1968, uscito nel gennaio del 1969, suona ancora fresco e palpitante, e non è la solita frasetta scontata che si legge dappertutto, in questo caso è proprio vero. Registrato in un periodo di tempo compreso tra le 30 e le 36 ore, da quattro giovani musicisti (due di 20 anni, une di 22, uno di 24), l’album definisce l’hard rock nella sua forma più pura, quella che proviene dal blues e che si lascia trasportare da suggestioni acustiche.
Gennaio 1969 dunque, i CREAM si sono già sciolti, erano un gran gruppo ma votato più alle improvvisazioni che alla composizione e il continuo detestarsi dei tre membri del celeberrimo trio non avrebbe permesso nessun volo pindarico compositivo; la JIMI HENDRIX EXPERIENCE è un qualcosa di memorabile, ma è ormai alla fine dell’avventura, HENDRIX non sopporta più REDDING, musicista tra l’altro non eccelso, e il nero di Seattle sceglierà di versarsi liquido in progetti mai a fuoco. Il JEFF BECK GROUP è la band di riferimento del momento, l’album TRUTH è 15° nelle classiche Usa, PAGE lo utilizzerà se non come template, come termometro per verificare la temperatura della musica Rock. BECK è come PAGE, provengono dallo stesso background, hanno lo stesse idee, sono stati membri degli YARDBIRDS, si vogliono un gran bene, ma BECK è scostante, non è un compositore, e ha un gruppo su cui sa di non poter contare per quanto riguarda scrittura, arrangiamenti, visione.
I FREE sono una band interessante, ma sono giovanissimi (tra i 16 e i 20 anni), il loro primo album esce nel dicembre del 1968, è un po’ acerbo seppur di gran sostanza.
I BLACK SABBATH al momento sono ancora una bislacca blues band, mentre i DEEP PURPLE sono impegnati a fare il verso ai VANILLA FUDGE. Entrambi saranno così colpiti dal gruppo di PAGE da imporre un brusca sterzata alla loro direzione: 13 mesi dopo i BS faranno uscire il loro primo album di rock durissimo, i DP faranno lo stesso 15 mesi dopo con IN ROCK, siamo nel 1970 e i LZ, dopo due album di hard rock, avranno già voltato pagina.
LZ I è la fioritura definitiva del movimento blues inglese degli anni sessanta, i colori sono ancor più accesi del previsto grazie a riflessi acustici che provengono dalla tradizione della musica popolare. I primi momenti dell’album per tutti sono racchiusi in quel gioco di gran cassa di JOHN HENRY BONHAM, il batterista che sin da quei primi battiti diventerà leggendario. Già dal secondo pezzo, BIGLY, PAGE lascia intendere che il gruppo sarà qualcosa di diverso. Il delicato e commovente arpeggio di chitarra acustica, la disperata dolcezza del cantato contrapposti alla furia delle parti ritmate. Eccola qui, sin da subito, la formuletta del shade & light tanto cara a PAGE, le dinamiche tight but loose che faranno la fortuna dei LZ. L’arpeggio di chitarra è sempre al limite, in diverse occasioni JP è sul punto di precipitare, ma non lo fa mai, anzi prende spunto dalle sbavature per cercare nuove soluzioni e comunque ha il coraggio e l’intelligenza di lasciare parti di chitarra magari non precise pur di non togliere nulla alla magia del momento catturata su nastro.
YOU SHOOK ME è un blues greve, ostinato, che non lascia prigionieri, credo che sino ad allora non si fosse mai ascoltato un blues così pesante. Probabilmente troppo sovraccarico (era necessario il piano sull’assolo d’organo?) e lungo (assolo di armonica, di organo, di chitarra). DAZED AND CONFUSED proviene dritta dritta dal periodo YARDBIRDS, il riff di JACK HOLMES trasformato in quella che diventerà (dal vivo) la più ardita improvvisazione di chitarra di sempre. YOUR TIME IS GONNA COME: ancora oggi, gente come Massimo Bonelli (nostro amico e label manager extraordinaire) identifica i LZ con questo pezzo, con quell’apertura d’organo, al contempo delicata e aspra. Cosa c’entra un pezzo così in un album di heavy blues? Questi sono i LZ, baby, diversi da tutti gli altri. BLACK MOUNTAIN SIDE deriva da BLACK WATER SIDE, il traditional reso celebre in quegli anni dal grande BERT JANSCH, COMMUNICATION BREAKDOWN è forse il primo esempio di HARD ROCK suonato a ritmo molto sostenuto, I CAN’T QUIT YOU BABY è un altro blues di Wille Dixon reso alla LZ. Chiude HOW MANY MORE TIMES un riff trascinante su cui imbastire tanti riferimenti blues.
L’album naturalmente non è impeccabile, PLANT è ancora immaturo, tende ad urlare non appena Jimmy allenta la briglia, i testi che canta sono un miscuglio di frasette blues rubate alla prosa blues di dominio universale, PAGE lascia forse qualche imperfezione chitarristica di troppo, ma quello che rimane alla fine è una sensazione di purezza e d’intenti senza pari, è la certezza di aver assistito alla cristallizzazione del big bang dell’hard rock, è lo destabilizzante stupore che ossimori arditi siano possibili, che l’immacolata dissolutezza della musica sia cosa concreta. Gennaio 1969, una nuova era si è aperta per la musica rock.
LED ZEPPELIN 1969
Disc 2: Live @ The Olympia, Paris – 10/10/1969 (previously unreleased)
Good Times Bad Times/Communication Breakdown
I Can’t Quit You Baby
Heartbreaker
Dazed and Confused
White Summer/Black Mountain Side
You Shook Me
Moby Dick
How Many More Times
Il companion disc per un casual fan rappresenta una ghiotta occasione per ascoltare un concerto dei LZ del 1969, per il fan vero e proprio del gruppo invece è un’occasione sprecata. Il concerto dell’Olympia di Parigi è disponibile su bootleg da alcuni anni, in qualità praticamente simile a quella riproposta in questo box set. Certo, nel bootleg manca MOBY DICK, ma dall’altra parte non è che questa mancanza da sola ne giustificasse la pubblicazione ufficiale.
Come ho già fatto capire su OUTSIDER, non sono particolarmente legato a questa registrazione, non è un serata memorabile, PLANT a volte è fuori controllo e dunque fastidioso, la chitarra di PAGE è in sottofondo, ma ascoltata a buon volume con la giusta concentrazione sa comunque darti buone vibrazioni … i LED ZEPPELIN del 1969 riescono quasi sempre ad irretire.
Buona COMMUNICATION BREAKDOWN, molto buona ICQYB. HEARTBREAKER ha la parte iniziale dell’assolo tagliata dato il fastidioso effetto indomabile sulla chitarra, così, dopo la brevissima parte iniziale, si passa subito alla seconda parte suonata insieme al gruppo. Mah. In linea coi tempi DAZED, sicure e dritte al punto WHITE SUMMER/BMS e YOU SHOOK ME.
MOBY DICK è strana, i primi momenti hanno solo basso e batteria con feedback della chitarra in sottofondo poi, una volta che PAGE si unisce al pezzo, si parte dal secondo giro, quello che prevede gli stacchi con gli assoli di chitarra.
HMMT ha il medley completamente tagliato, evidentemente Page ha preferito non dover pagare i diritti agli autori delle cover allora inserite nel pezzo, quindi niente SMOKESTACK LIGHTNING, BECKS BOLERO, OVER UNDER SIDEWAYS DOWN, THE HUNTER, BLUES IMPROVISATION, THE LEMON SONG, BOOGIE CHILLUN, HIDEAWAY, THINK YOU NEED A SHOT (THE NEEDLE). Alcune di queste sono solo accenni, brevi (e oscuri) riferimenti. E’ un peccato perchè ad esempio THE LEMON SONG (che musicalmente non è quella del secondo album) ha un gran bel giro blues. BOOGIE CHILLEN era ancora nella fase embrionale, ben lontana dalla irresistibile versione degli anni a venire (intendo la sezione comunemente chiamata BOOGIE MAMA che c’è ad esempio su TSRTS nel medley di WHOLE LOTTA LOVE).
Buono quindi per il casual fan questo concerto, per le teste-di-piombo ci vuole ben altro.
Credo che, almeno per queste prime uscite, ci si debba soffermare più sulla qualità dell’articolo che sulle sorprese del materiale bonus, più sull’emozione di avere nuove uscite ufficiali dei LZ in mano, più dal commuoversi nel vedere i primi tre dischi dei LED ZEPPELIN nelle top ten (quelle vere, non quelle farlocche) americane ed inglesi.
Jimmy Page – Olympia 1969
(BROKEN) ENGLISH VERSION
LED ZEP I – original album
It was a thrill to receive the new LZ box sets , though with some crumpled corner, but they are heavy packs and delicate items, I fear it’s physiological to receive them with some dents if you choose the shipment by courier. Two LPs, two CDs, full-bodied and elegant book, folder with the copy of the first press kit, a print of the artwork with the number of your copy (on a print run of 30,000 … and hence the term limited edition goes to hell) , as well as the code to download the digital version in high definition.
The packaging is big and in my case it is not possible to place it on the shelf of vinyl, so I have to adapt and put it in the glass cupboard of the living room
This new editions also provides an opportunity for a new listening of the original discs, and to do it with the new remaster of JOHN DAVIS is a new experience. I think the LED ZEPPELIN album never sounded so clear and so good, and we’re talking remaster not remix. Everything seems clearer, the music breathes in a better way … mamma mia, JOHN DAVIS is a real master! LED ZEPPELIN I, what an album … recorded at the end of 1968, released in January 1969, it still sounds fresh and vibrant, and it’s not the usual obvious phrase you read everywhere, in this case it’s true. Recorded over a period of time between 30 and 36 hours by four young musicians (two 20 years old, one 22, the other 24), the album defines the hard rock in its purest form, the one that comes from the blues and that is carried by acoustic influences.
January 1969, therefore, the CREAM do not exist anymore, they were a great group but more voted to improvisations than compositions and the continuous hate among the three members of the famous trio would not allow any flight of fancy composition; The JIMI HENDRIX EXPERIENCE is something memorable, but it is now at the end of the adventure, HENDRIX does not stand REDDING anymore, and the black cat from Seattle chooses to pour himself liquid into projects never in focus. The JEFF BECK GROUP is the reference band of the moment, the album TRUTH is 15th in the USA chart. PAGE uses it, if not as a template, at least as a thermometer to check the temperature of the rock music. BECK is like PAGE, he comes from the same background, the pair have the same ideas, they have been members of The Yardbirds, the two guitarists love each other, but BECK is unfriendly, not a composer, and has a group of which he knows he can not count as relates to writing. arrangements, vision.
The FREE is an interesting band , but they are young (between 16 and 20 years old), their first album was released in December of 1968, it is a bit ‘sour albeit it has substance.
The BLACKS SABBATH are currently still a weird blues band, while DEEP PURPLE are struggling to be something more than a VANILLA FUDGE inspired band. Both will be so impressed by the group of JIMMY PAGE to impose a sharp turn to their direction: 13 months after the BS will release their first album full of hard rock, the DP will do the same after 15 months with IN ROCK, we are in 1970 now and LZ, after two hard rock albums, have already turned the page.
The LZ I is the flowering of the British blues movement of the sixties, the colors are even brighter than expected due to acoustic reflections that come from the tradition of popular music. The first moments of the album are all enclosed in that big bass drum trick of JOHN HENRY BONHAM, the drummer that ever since those first few beats will become legendary. Already in the second piece, BIGLY, PAGE suggests that the group will be something different. The delicate and poignant acoustic guitar arpeggio, the sweetness of the vocals as opposed to the desperate fury of rhythmic parts. Here it is, right now, the formua of shade & light so dear to PAGE, the dynamics of the “tight but loose” attitude that will make the fortune of LZ. The guitar arpeggio is always on the edge, on several occasions JP is about to fall, but he never does, indeed he seems inspired by those smears to search for new solutions and however he has the courage and the intelligence to leave guitar parts maybe not precise so as not to detract from the magic of the moment captured on tape.
YOU SHOOK ME is a heavy blues, obstinate, that takes no prisoners, I believe that until then you had never heard a blues so heavy. Probably too much overhead (it was necessary that piano during the organ solo?) and long (harmonica solo, organ solo, guitar solo). DAZED AND CONFUSED comes straight from the Yardbirds period, the JACK HOLMES’riff is transformed into what will become (live) the most daring guitar improvisation ever. YOUR TIME IS GONNA : even today, people like Massimo Bonelli (our friend and Italian big label manager extraordinaire) identifies the LZ with this piece, with that opening organ at the same time gentle and harsh. What the hell a piece like this is doing in an album of heavy blues? These are the LZ, baby, different from all the others! BLACK MOUNTAIN SIDE comes from BLACK WATER SIDE, the traditional made famous in those years by the great BERT JANSCH, COMMUNICATION BREAKDOWN is perhaps the first example of a HARD ROCK played a very fast pace, I CAN’T QUIT YOU BABY is another blues by Wille Dixon played in LZ style. HOW MANY MORE TIMES closes the album, a compelling riff on which to baste many blues references.
The album is of course not flawless, PLANT is still immature, it tends to scream as soon as Jimmy slacks the rein, the lyrics are a mixture of blues sentences stolen from the prose of the universal public domain, PAGE leaves maybe some imperfect guitar parts too, but what remains at the end is a feeling of unparalleled purity of intent, it is the certainty of having witnessed the crystallization of the big bang of hard rock, it is the destabilizing astonishment that oxymorons are possible, that the immaculate debauchery of rock music is a concrete thing. January 1969, a new era is now open for rock music..
LED ZEP I – companion disc
The companion disc for a casual fan is a good opportunity to listen to a concert of LZ in 1969, for the real fans of the group instead is a wasted opportunity. The concert at the Olympia in Paris is available on bootleg for several years, in almost similar audio quality to the one proposed in this box set. Sure, the bootleg is missing MOBY DICK, but on the other hand it is not that that alone would justify an official release.
As I have already written on the OUTSIDER magazine, I’m not particularly keen on this recording, it is not a memorable evening, PLANT is sometimes out of control and therefore annoying, the guitar is in the background, but if you pump the volume and listen to it with the right concentration it give you good vibes anyway…THE 1969 LED ZEPPELIN never let you down.
COMMUNICATION BREAKDOWN is good, ICQYB is very good. HEARTBREAKER has the first part of the solo cut, given the annoying effect on the guitar, so after the brief initial part it will immediately switch to the second part of the solo played with the group. Uhm. In line with the times DAZED, safe and straight to the point WHITE SUMMER / BMS and YOU SHOOK ME.
MOBY DICK is odd, the first bit is just bass and drums with feedback of the guitar in the background and then, once PAGE joins the piece, they start from the second instrumental verse, that on with the lead guitar breaks.
HMMT has completely cut the medley, Page evidently preferred not having to pay royalties to the authors of the covers then inserted into the piece, so no Smokestack Lightning, BECKS BOLERO, OVER UNDER SIDEWAYS DOWN, THE HUNTER, BLUES IMPROVISATION, THE LEMON SONG, Boogie Chillun , HIDEAWAY, THINK YOU NEED A SHOT (THE NEEDLE). Some of these are only hints, short (and obscure) references. It ‘a shame, because for example THE LEMON SONG (musically it is not the one of the second album) has a great bluesy guitar part. BOOGIE CHILLEN was still in its infancy, far from the compelling version in the years to come (I mean the section commonly called BOOGIE MAMA that there is in TSRTS during the Whole Lotta Love medley).
This concert is then good for the casual fan, for the ledheard it is more than just this.
I believe that, at least for these first releases, we should dwell more on the quality of the article and not on the surprises of the bonus material, more on the emotions you have when official new LZ official releases are available, more on the fact that you are moved by seeing the first three albums of LED ZEPPELIN in the top ten (the real ones, not those phony) of the UK and USA charts.
Il nostro Michigan Boy intervista Jim McCarthy, chitarrista dei CACTUS …oh, mica robetta da poco! Buona lettura.
ENGLISH VERSION BELOW
Jim McCarty e’ l’ultimo dei grandi chitarristi hard rock blues.
L’ultimo di quella generazione di insuperabili musicisti che hanno aperto a colpi di pedali e amplificatori valvolari le strade a tutta la musica rock a venire. Prima con i Detroit Wheels di Mitch Rider, poi con Buddy Miles, Cactus, Rockets e ancora dopo Detroit Blues Band, Hell Raiders e Mistery Train. Ha suonato e condiviso il palco con tutti i piu’ grandi, ispirando a sua volta generazioni di chitarristi rock e blues fino ad arrivare ad oggi, senza avere ancora alcuna voglia di staccare il jack della sua Les Paul nera.
Lo incontriamo in una sera primaverile per una lunga chiacchierata.
PB: Jim, vorrei iniziare col dirti che secondo me sei l’ultimo rimasto dei chitarristi che hanno cambiato la storia dell’hard rock, intendo dire l’ultimo rimasto in piedi sul serio, con la chitarra sul palco a suonare veramente…
JMC: “ Dici?! Non saprei….fammi pensare…Jimmy Page, il piu’ grande chitarrista hard di tutti i tempi…mi sembra che si accontenti di dedicarsi al catalogo dei Led Zeppelin, e secondo me e’ un vero peccato. Potrebbe fare ancora molto, ma effettivamente l’ultima volta che l’ho visto da queste parti era in tour con i Black Crowes, molto tempo fa ormai. Sono andato a trovarlo nel backstage, ci siamo abbracciati forte, e da allora non l’ho piu’ visto. Clapton…beh, dai non fa piu’ queste cose da tantissimo tempo ormai…Jeff…Jeff Beck e’ un chitarrista fusion, un bravissimo chitarrista fusion sia chiaro, ma io ho nostalgia di Truth, di Beck Ola, quello e’ il Beck che vorrei sentire…mah, qualcuno di noi ancora in giro a fare quello che facciamo io e Carmine Appice ci deve ancora essere dai!”
E a questo punto ci facciamo qualche bella risata, perche’ lui pronuncia Karmain Apis, come lo chiamano qui, e io Carmine Appice, italianissimo come e’ il suo nome! Chiuso il siparietto, gli chiedo di racconatrmi come ha iniziato questa carriera.
“ Sono cresciuto fra i musicisti. Mio padre era un batterista Jazz, suonava in una big band. E anche io ero un batterista e tale mi sono considerato per anni, pure quando suonavo la chitarra con i Detroit Wheels! Poi a un certo punto, mentre usciva il singolo “Devil with the Blue Dress On” ed iniziavamo ad avere veramente successo, allora mi sono detto, mi sa che sono un chitarrista…C’e’ poco da fare…”
Sei stato citato da tanti come una fonte di ispirazione, un influenza nel modo di suonare la chitarra…Giusto per dirne qualcuno, Ace Frehley, Ted Nugent, Eddie Van Halen…Ma non ti ho mai sentito dire chi sia stato ad influenzare il tuo modo di suonare.
“ Sai e’ difficile dirlo, ma se dovessi fare un nome, uno solo, direi BB King. Ma in realta’ ci sono tantissimi suoni, tantissime influenze, che ti attraversano, che fanno parte di te. Tu le metti tutte insieme, e poi trovi la tua voce. Il tuo modo di suonare. This is what separate the man from the boys, questo fa la differenza fra un uomo e un ragazzo. Non ha importanza quanto sei bravo a suonare nello stile degli altri, tu cosa hai da dire? Il miglior complimento che mi possano fare e’ quando mi dicono, tu hai un suono tuo, riconoscibile, unico.”
Mitch Ryder and the Detroit Wheels. Perche’ si e’ chiusa quell’esperienza? Andavate alla grande che io sappia…
“ Eravamo dei veri Hit Makers! Sfornavamo una canzone dopo l’altra tutte formidabili. Sono ancora convinto che se avessimo avuto un manager bravo, un Andrew Loog Oldham della situazione, saremmo rimasti insieme alla grande. Invece…qualche fesso penso’ bene di puntare tutto su Mitch Ryder cantante solista. La cosa ovviamente non poteva funzionare, misero insieme una specie di show da Las Vegas e ando’ tutto all’aria…”
E tu? Come ne sei venuto fuori? Deve essere stata una bella botta.
“ Io in tutto il periodo che sono stato con i Detroit Wheels, appena tornavo in albergo in tour, andavo in camera e ascoltavo dischi blues. Era diventata una passione forte per me, quella musica mi ha sempre parlato dentro…E quindi mi sembro’ normale unirmi a una band blues e andare in tour con loro. Una sera eravamo a Los Angeles, suonavamo al Wiskey a Go Go, e ho incontrato Buddy Miles che mi ha chiesto se volevo entrare una band che stava mettendo in piedi. Una cosa grossa, con una sezione di fiati, percussioni…molto aperta a diverse sonorita’…Dissi di si immediatamente, mollai tutto ed entrai nella Buddy Miles Express. Ci rimasi per un anno.”
Un po’ poco…cosa e’ successo, perche’ si e’ chiusa questa esperienza?
“ Miles era ormai in procinto di formare una band con Hendrix, Jimi era una presenza costante intorno alla nostra band in quei giorni, e io volevo prendere una strada diversa, piu’ mia. Era uscito un album che per me e’ stato un punto di svolta: Truth di Jeff Beck. Era esattamente quello che avrei voluto fare io! In quello stesso momento mi chiama da NYC un mio caro amico Rusty Day, che era stato il cantante degli Amboy Dukes, e mi dice che e’ li con Carmine Appice e Tim Bogert. Erano stati in tour con i Led Zeppelin e volevano mollare i Vanilla Fudge per suonare una musica piu hard, piu blues, e che cercavano un chitarrista…Un tempismo perfetto! Presi la palla al balzo, e volai da LA a New York. Erano nati i Cactus.”
Che band i Cactus…
“ Si, e’ una grande band. Ma in un certo modo, pur avendo attraversato alla grande i primi anni settanta, e’ sempre rimasta una band di culto. Il grande pubblico non ci ha mai veramente accolto. Certo, poi passano gli anni e salta sempre fuori qualcuno che dice Hey! I Cactus sono la mia band! Ero andato al cinema a vedere il film Anvil, quei ragazzi bisogna dargli atto che hanno cuore e coraggio come nessuno, e lui a un certo punto dice: ascoltavamo un sacco i Cactus, erano la nostra band…Beh ti giuro che a momenti casco dalla sedia svenuto per terra!! Non ci potevo credere! Negli anni settanta avevamo delle buone canzoni su tutti i nostri album, ma quella formazione era un esperimento mai del tutto riuscito. Dal vivo non eravamo coesi, ognuno suonava come un matto nel suo piccolo mondo, senza realmente ascoltare gli altri. Ora e’ un altra cosa, credimi, siamo una band che spacca il culo come non mai! Non male per la nostra eta’! Carmine poi e’ incredibile, a volte quando fa il suo solo io resto sul palco a guardarlo a bocca aperta…E’ pazzesco, sembra che abbia trent’anni…E’ divertentissimo suonare con lui. Cosi come con Pete Bremy al basso, Randy Pratt all’armonica e Jimmy Kunes. Musicisti straordinarii con i quali mi trovo perfettamente. E’ una band che meriterebbe piu’ attenzione di quella che in realta’ ha…”
Prima mi parlavi di Hendrix, deve essere stato bello per te averlo conosciuto.
“ Jimi era in giro tutto il tempo mentre ero con Buddy Miles. Abbiamo suonato insieme piu’ volte. In quel periodo era molto frustrato, voleva muoversi in un altra direzione rispetto alla Experience. Riceveva anche un sacco di critiche dal pubblico afroamericano perche’ suonava con dei musicisti bianchi, oggi sembra strano ma all’epoca era cosi. Ma a lui del colore della pelle proprio non importava nulla, potevi anche essere verde, ma se eri un buon musicista per lui eri perfetto. Mi chiedo cosa avrebbe combinato negli anni. Ricordo che i Cactus avevano finito un tour in Inghilterra e io ero rimasto qualche giorno in piu’ a Londra, a casa di Dave Mason dei Traffic. La sera prima che partissi arrivo’ Hendrix all’improvviso. Era molto triste, e si mise a parlare in disparte con la moglie di Mason. Poi dopo una decina di minuti venne da me, ci siamo salutati ed e’ andato via. Il giorno dopo appena atterrato a New York, Tim Bogert che era venuto a prendermi mi dice che lo avevano trovato morto in camera sua. Una cosa pazzesca, praticamente sono stato una delle ultimissime persone a vederlo vivo. Lui era un mondo a parte. I piu’ grandi chitarristi rock di sempre per me sono Page, Beck, Clapton e Keith Richards. Tutti bianchi e inglesi. Poi c’e’ Hendrix, afroamericano…che ti lascia senza parole. Era uno di quei pochi geni musicali come Robert Johnson, Louis Armstrong e John Coltrane. Loro hanno ridefinito i confini e reinventato le regole del gioco. Hendrix ha completamente rimodellato il paesaggio sonoro contemporaneo, e ancora oggi, secondo me, nessuno lo ha piu’ toccato.”
Che posto ha il blues nella tua musica?
“ Semplice: Non potrei vivere senza suonare blues e rock and roll. Per un po’ negli anni ottanta ero giunto alla conclusione che volevo suonare solo blues e nient’altro, cosi mi sono unito alla Detroit Blues Band. Ora che i Cactus sono tornati insieme per me e’ veramente perfetto, ho la mia blues band, Mistery Train, e suono hard e rock and roll con Carmine!”
Qualche chitarrista delle nuove generazioni che ti piace in particolare.
“ Ultimamante ho suonato con Joe Bonamassa ospite del suo concerto a Detroit. Lo abbiamo incendiato quel palco! E’ il chitarrista che preferisco fra le nuove leve. Ha una tecnica impeccabile ma anche anima e sensibilita’. Anche Warren Haynes che suona con gli Allman da diversi anni e’ un chitarrista incredibile, mi piace tantissimo. “
Che cosa stai ascoltando in questo periodo?
“ Quasi solo jazz, dischi della blue note.”
Che ricordi hai della Detroit Rock City, Stooges, MC5, la Grande Ballroom…
“ Praticamente nulla, ero quasi sempre a New York in quel periodo! Ma ricordo benissimo i Cream alla Grande Ballroom. Andai nel pomeriggio a sentire il soundcheck. Per la prima volta vedevo questi grandi Marshall, due colonne una per Clapton e l’altra di Bruce. Eric ha provato il suo Wha Wha e…Wooow! Che roba ragazzi, mai sentito prima un suono cosi! Sono andato a parlarci nei piccoli camerini, e loro mi hanno chiesto se potevo rimediargli qualcosa da fumare e altro…gli dissi che non c’era problema in quel senso, e chiesi se potevo registrare il concerto la sera stessa. “ Se ci rimedi qualcosa puoi registrare quello che cazzo vuoi!” ci pensi che roba?! All’epoca era cosi, potevi registrare i Cream senza nessun problema…sistemai qualche microfono sul palco e venne fuori una buona documentazione sonora di quella magica serata. Molti anni dopo, un tipo in giappone ha tirato fuori un bootleg famoso con nastri di terza generazione della mia registrazione…mi veniva da dirgli, hey, dove e’ la mia parte di soldi!? Devo ancora avere i nastri originali da qualche parte…”
Ho saputo che Les Paul ha vinto un Grammy con un tuo pezzo, giusto?
“ Si tratta di 69 Freedom, un pezzo che avevo scritto e suonato con Buddy Miles. Les Paul ha vinto un Grammy con una cover e a me hanno dato un riconoscimento e…un po’ di diritti! Grazie Les! Quell’uomo e’ stato un genio della tecnica di registrazione. Gli dobbiamo tutti qualcosa in quel senso, quasi tutto quello che e’ la registrazione multi traccia viene da sue invenzioni. Pero’ devo dire che non sono mai stato un fan della sua musica, in ambito jazz sono altri quelli che mi fanno sognare, West Montgomery…E poi non possiamo dimenticarci che ha creato la mia chitarra preferita, la Gibson Les Paul! “
Che ti ho visto sempre suonare con un ampli Fender…
“ Un Fender a valvole del ’64. Ha il suono grosso e pulito che io voglio. Per poter lavorare bene con i miei pedali ho bisogno di un amplificatore dal suono pulito. Altrimenti quando attacco con i pedali esce fuori “ mash potatoes “. Invece quando infilo i pedali nei miei Fender…si scatena l’inferno. Ma non mi fido di poratrmeli in tour. Di fatto il mio vero suono live lo riesco ad ottenere solo quando suono qui a Detroit. “
C’e’ qualche nuova band che ti piace?
“ Ma…non saprei…ascolto sempre cose vecchie io…Gov’t Mule sono molto bravi…anche i Black Crowes, se si possono considerare nuovi…Ma poi… l’altra sera sono finito a guardare il video degli Stones live in Texas, tour di Some Girls…Sono la piu’ grande rock and roll band di tutti i tempi! Good Lord! Oh man!! Keith…Killer licks…E Mick e’ il piu’ straordinario frontman che ci sia mai stato nella storia del rock.”
Penso che ti piacessero ancora di piu con Mick Taylor…
“ Taylor mi piaceva e mi piace molto. Ma…lasciamelo dire: Ronnie va meglio! Vedi, gli Stones sono essenzialmente una blues band che ha avuto la magia di restare attuale per cinquanta anni. E una blues band e’ tutta basata sull unione dei musicisti e dei suoni. Io suono questo mentre tu suoni quello, e’ la musica dei bianchi. Gli Stones, Keith, sono black music. Pensa a Beast of Burden, e senti le chitarre come suonano insieme. Quello e’ il suono degli Stones! Mick era bravo, ma non c’era quell’unione…Ronnie segue e fa quello che vuole Keith come nessun altro. Questa e’ un po’ la chiave per capire la differenza fra Hard Rock e Rock and Roll. Led Zeppelin erano la miglior band Hard che ci siam mai stata al mondo. Bonzo il piu’ incredibile batterista rock…perche’ rock e’ le palle, la forza…Invece roll e’ il blues, il soul. Piu’ spingi duro e piu’ il roll e’ spinto da parte. L’Hard e’ un interpretazione bianca della musica nera, ma il rock and roll e’ un invenzione dei neri, di Chuck Berry…I LZ erano il rock e gli Stones sono il Roll. Eppure per quanto Jimmy Page potesse spingersi lontano, potevi sempre sentirlo che restava connesso con il blues. Per questo secondo me i Led Zeppelin non sono mai stati una band Metal, nemmeno per un secondo.”
Ti interessa il Metal, i suoi chitarristi, segui qualche band?
“ Nella musica Metal il “roll” e’ completamente sostituito dall’aggressivita’. E’ musica estrema ed estremamente bianca…diciamo troppo bianca per i miei gusti!”
E il Punk? In fin dei conti sei di Detroit…
“ Il Punk…beh, sostituisce con l’attitudine la mancanza di talento! Pur non essendo una musica che mi abbia mai particolarmente inetressato, penso che sia una buona cosa. Ha dato e continua a dare la spinta giusta a tutta la scena rock.”
Che rapporto hai con l’enorme patrimonio musicale della Motown?
“ Per molto tempo sono stato piu’ un fan del suono Stax, ma ora in questi ultimi anni sono totalmente innamorato della Motown. Ho appena visto, e consiglio a tutti di vedere, “Standing in the shadow of motown” sulla house band degli studi Motown…Che roba ragazzi!! Se parliamo di roll, di soul…assolutamente imbattibili, unici…Mi fai venire in mente un altra band che adoro, Sly and the Family Stone. Una band di neri con un batterista bianco…( si mette le mani nei capelli ) Le cose che hanno fattooo!!! Wooow!!!”
Prima hai nominato gli Allman, le vostre strade si sono mai incrociate in qualche modo?
“ C’e’ stato un periodo che passavo molto tempo a Memphis, e nel sud in generale. Ho incontrato Duane e Gregg, ci siamo conosciuti e sono andato ai loro concerti in compagnia di Duane piu’ volte. Allman Brothers Band e’ un perfetto esempio di una band che suona insieme. Anche nelle loro jam piu’ libere, dopo venti e passa minuti, puoi ancora sentire che suonano uno per l’altro. All’epoca questo mi ha fatto capire quale era il mio piu’ grande problema con i Cactus. Ognuno di noi suonava benissimo ma non eravamo coesi.”
Rusty Day, il vostro cantante, deve essere stato un personaggio difficile…
“ Era un grande cantante e un mio carissimo amico. Le parole delle canzoni gli venivano di getto, e spesso tirava fuori cose bellissime, pensa per esempio ad Alaska. Purtroppo era pesantemente coinvolto nelle droghe e venne ucciso, sparato in casa sua insieme a suo figlio per una partita di roba non pagata. Una cosa terribile, al suo funerale sono totalmente crollato. Non lo dimentichero’ mai.”
Dopo tutti questi anni e dischi, quali sono i lavori dei quali sei piu’ soddisfatto?
“ Tutte le cose fatte con Mitch Ryder and the Detroit Wheels. Poi sicuramente il disco dei Cactus con la nuova formazione, e il live con Mistery Train la mia band piu’ rock blues. Ci sono anche altri due dischi di cui sono molto contento. Il live in Detroit fatto con gli Hell Drivers…un mix di hard e rock and roll Detroitiano…that record smokes!! Ma forse il disco di cui sono piu’ orgoglioso in assoluto e’ Jim McCartney and Friends. Una raccolta di diversi brani blues suonati con musicisti differenti. E’ il disco che piu’ mi ha messo alla prova e quello a cui sono piu’ legato.”
Che stai facendo in questo periodo musicalmente?
“ In questi giorni sto attraversando un momento molto difficile. Rick Stel, il chitarrista con cui ho suonato per venti anni nei Mistery Train e’ morto di cancro la settimana scorsa. Per me e’ stato un colpo durissimo musicalmente ed umanamente, eravamo molto legati. Da ora in poi credo che quel progetto prendera’ una piega ancora piu’ blues e meno aperta al rock and roll. Mentre con i Cactus abbiamo dei concerti in arrivo, e molto materiale nuovo pronto da portare in studio appena possibile. Sai, non e’ un periodo facile per fare il musicista questo. Nei club l’unica cosa che conta e’ quanti drink riescono a vendere, della qualita’ musicale delle band non gliene fotte nulla. E internet ha ovviamente stravolto il modo di ascoltare la musica. La scena musicale nella quale sono cresciuto non esiste piu’ ormai, questo e’ sicuro. Ma d’altronde le cose cambiano sempre, niente e’ per sempre. Da parte mia, questo ho fatto e questo amo fare: Suonare la chitarra. I don’t give a shit, sono qui per fare questo e continuero’ a farlo. Alle volte puo’ essere frustrante e scoraggiante, lo so. Ma io continuo per la mia strada.”
Jim McCarty is the last of the legendary hard rock blues guitar players.
The last one of that generation of amazing musicians who paved a new road made of pedals and tube amps, for all the rock music that came after. Starting with Detroit Wheels, then Buddy Miles, Cactus, Rockets and after that Detroit Blues Band, Hell Raiders and Mistery Train. He played and shared stages with all the best guitar players from around the world, and inspired all the next generations of rock blues musicians until today. He has no intention to unplug his black Les Paul.
We met him on a nice Royal Oak night, for a long talk.
Jim, do you realize that you are the last of the guitar players that changed the way electric guitar was played, and still really playing?
“ Do you think so?! I don’t know man, lets see…Jimmy Page, best hard rock guitar palyer in history…seems like he is content with just taking care of the Led Zeppelin catalog, and it’s a shame…last time i saw him, was on tour with Black Crowes. He gave me a big hug, but after then i didn’t see him. Clapton, well he is not doing this kind of stuff anymore. Jeff…Jeff Beck now is a Fusion guitar player, and of course a very good one. But i miss Truth, Beck Ola, that is the way i would like to hear him playing! But…must be somebody else out there still doing music like Carmine and i, we can’t be the last one!”
Can you tell me how everything started?
“ I grew up with music and musicians. My father was a drummer in a big jazz band. I was a drummer too, and i was still considering myself a drummer when i was in Detroit Wheels! Around the time of “Devil with a Blue Dress On” i said to myself, well…i guess i am a guitar player..! “
Many famous musicians said you are a big inspiration and influence, people like Ace Frehley, Ted Nugent, Eddie Van Halen…But who was your inspiration?
“ If i really have to say a name is BB King. But there are many sounds, many influences, that comes to you from everywhere. You put them all togheter and then find your own voice. Your sound. This is what separates the man from the boys. Doesn’t matter how good you can play anybody else’s style, tell me what you have to say. The best compliment is when somebody tells me that the way i play is unique, recognizable. “
Mitch Ryder and the Detroit Wheels. Why did that band break up? You guys were doing great for what i know…
“ We were real hit makers! We were making song after song, all good. I still belive that if we had a good manager, an Andrew Loog Holdam, we could be like the Stones. Instead, somebody decided to present Mitch Ryder as a solo act. Obviously it didn’t work, they created a kind of Vegas show, and everything ended…”
What did you do then?
“ The entire time that i was with the Detroit Wheels, I would come back to my hotel room and listen to blues records. That music always spoke to me, and my passion was growing. So i thought to join a blues band and go on tour with them. One night we where playing the Whiskey in LA and Buddy Miles came. He was putting together a new band, something big, with many musicians and different sounds. He wanted me to join his band and i did it that very night! That was the Buddy Miles Express and i played with them for one year.”
Then you got involved with Cactus, right?
“ Jimi Hendrix was often around Buddy Miles at the time, and him and Miles were talking about a new project. I wanted to go in a different direction. My turning point was when Jeff Beck’s album ‘ Truth ‘ came out. That was exactly what i wanted to play. One day my old friend Rusty Day called me from NYC. He was there with Carmine Appice and Tim Bogert. They went on tour with Led Zeppelin and wanted to leave Vanilla Fudge to play a more hard rock, blues kind of music. The timing was perfect, they were looking for a guitar player and i flew from LA right away. “
Cactus…what a band….
“ Yeah man, a great band that in someway and somehow became a cult band. We never really became a mainstream group. Then, still today, i meet people saying Cactus was my favorite band…I went to the movie theater a few yars ago to see Anvil the Movie, that band has a big heart and they are brave like nobody else, and in the middle of the movie this guy, Lips, says Cactus…Cactus was our band and a huge inspiration…I almost fell out of my chair, i couldn’t belive it! See, things like this keep happening all the time. In the seventies we had good songs on all of our records, but that line up was an experiment that never completely worked. On stage we were playing our ass off, but everybody was closed in is own world, without really listening to the others. Now it’s different, we are a kick ass band more than ever! Not bad for our age…Carmine is incredible, sometimes when he’s playing his drum solo i remain on stage with my mouth handging open…He’s unbeliveable, playing like a 30 year old boy, it is so much fun to play with him. Pete Bremy, Randy Pratt and Jimmy Kunes are excellent musicians, it’s such a pleasure to play with them.”
You were talking about Hendrix, i guess it was great to meet him…
“ Jimi was around all the time while i was playing with Buddy Miles. He was reciving a lot of pressure from the brothers, the afro american comunity, because he was in a band with white musicians, sounds strange today, but it was different at that time. He was really colour blind, you could be black, white or green, he could care less. I remember that Cactus just finished an european tour, and i decided to stay few more days in London at Dave Manson’s place. My last night there, Jimi arrived and he was very sad, very down. He spent some time talking with Mason’s wife, and then with me for a little bit before leaving. The day after as soon as i arrived in New York, Tim Bogert came to pick me up at the airport and told me that Hendrix was found dead…I couldn’t belive it, i was one of the very last people to see him alive…What a shame…You see,he was on a different planet. I believe that the best rock guitar players of all time are Page, Beck, Clapton and Keith Richards. All british, all white. Then, we have Hendrix, the best of all, and he is afro american…He was one of the very few real musical geniuses like Robert Johnson, Louis Armstrong and John Coltrane. They reshaped everything and rewrote thre rules of the game. Hendrix completely reinvented the musical landscape of our time, in a way that is still untouched.”
What is the place of Blues music in your life?
“ Easy: I just couldn’t live without playing blues and rock ‘n’ roll. For a while, in the eighties, i came to the conclusion that all i wanted to do was play the blues, so i joined the Detroit Blues Band. Now that Cactus are back togheter it’s heaven for me! I have my blues band, Mistery Train, and i can play hard rock and roll with Carmine!”
Is there any guitar player right now that you really like?
“ Lately i played with Joe Bonamassa live here in Detroit. The stage was on fire man! Right now he’s the one that i really like: An amazing technique with a big feeling. I also like Warren Haynes of Allman Brothers Band, i really really like him.”
What are you listening to now?
“ Blue Note, Jazz records…”
What’s your personal memory of Detroit Rock City at the end of the sixties?
“ Almost nothing, because i was in NYC at that time! But i was here when Cream played at the Grande Ballroom. I went to see their sound check and it was the first time i ever saw these big “stacks” of Marshall amps, one for Clapton and one for Bruce. Eric tried the Wha Wha pedal and….Wooow! What a sound man! I went to talk with them in the dressing room, and they asked me if i could help in finding some shit…I said that it was no problem , and i asked if i could record the show. “ Help us to find some shit, and you can record whatever the fuck you want man!” Can you belive it? At that time you could record Cream live with no big deal…so i set up some microphones on stage and it came out a very good documentation of that magic night. Many years after, a guy in Japan released a bootleg with third generation tapes of my recordings…i thought to call him and say Hey! Where is my share?! I belive i still have the original tapes in some closet…”
Les Paul won a Grammy Award with one of your songs right?
“ Yes, 69 Freedom, a track i wrote when i was with Buddy Miles. Les Paul made a cover and won the Award, and so i got some royalties…thank you Les! That man was a genius of recordings techniques. Every multi track recording is in some way coming from his ideas, still today. I’ve never been a big fan of his music, but we can’t forget that he created my favourite guitar ever, Gibson Les Paul!”
That you play with a Fender ampli…
“ A 1964 Fender Tube Amp. Has the fat and clean sound that i like to play with my pedals. Otherwise what comes out it’s mash potatoes. When i plug my pedals in the fender…all hell breaks loose! I love them but i don’t travel with them, and sometimes that’s a problem, i can’t have my sound.”
Do you like any new band?
“ I don’t know….i mostly listen to old stuff…Gov’t Mule are good, and also Black Crowes, but are they new? You know…the other night i was watching the Stones live in Texas, Some Girls Tour…They are the best rock and roll band of all the time! Good Lord! Oh man! Keith…Killer licks…Mick is the most extraordinary frontman in rock history…”
What about Mick Taylor?
“ He is a great guitar player, but let me tell you this: Ronnie is better! You see, Stones are a blues band with the magic gift of remaining so good for fifty years. And a blues band is all about playing togheter. I play this and you play that, it’s white music. Stones, Keith Richards, that’s black music. Think about Beast of Burden, listen how the two guitars play. That’s Stones sound! Mick is great, but there wasn’t that feeling, nobody can play with Keith like Ronnie does. In some way this is the key point to understand the big difference between Hard Rock and Rock and Roll. Led Zeppelin was the best Hard Rock band in the world, Bonzo the most amazing rock drummer…Strong, powerful…At the same time Roll is blues, soul. The harder you play, more the roll is pushed on a side. Hard Rock is a white interpretation of black music, but Rock and Roll it’s been created by Chuck Berry…Zeppelin were the rock and Stones are the roll. But even in his most esoteric stages Jimmy Page was always connected with blues. That’s why, in my opinion, Led Zeppelin was never a metal band, not even for a second.”
Do you like metal? Is there any metal guitar player that you like?
“ In Heavy Metal music the “roll” is completely replaced by aggressivity. It’s extreme music, and extremely white music….too white for me!”
What about Punkrock? You are from Detroit….
“ Punk…well, it’s a lot of attitude with a lack of talent! But even if it’s a music that never really got me, i think it was a good thing. It was the shot in the arm that it needed! “
Thinking of Detroit music, what about Motown…
“ For years i have been more a fan of Stax sound, but now i really dig Motown too. I just saw “Standing in the shadow of Motown” a documentary about the label’s house band…Wow! What an incredible band…talking of black music, soul music, they were really amazing! Another great band was Sly and the Family Stone. Black guys with a white drummer…The stuff they diiiid!!! Woooow!!!!”
You said something about Allman Brothers, did you ever meet them?
“There was a time that i was spending a lot of time in Memphis and in the south. I met Duane and Gregg, we became good friends and i went to see them play live on more than one occasion. Allman Brothers is a perfect example of a band that play together. Even in their most free form twenty minutes jam, you can tell that they are still playing with each other.”
What about Rusty Day, the original Cactus singer?
“ Rusty was a very good singer and a dear friend. Lyrics just came out of him llike waves, often brilliant stuff like Alaska. Too bad he was also extremely involved with heavy drugs. He was killed, somebody shot him and his son in their house. That was horrible, i completely broke down at his funeral.”
Is there any record that you are really proud of?
“ All my work with Detroit Wheels. Then Cactus five, with the new line up, and Mistery Train’s live album. There are also another two records that i really love. Live in Detroit with Hell Drivers, that record smokes man! But maybe the one i am most proud of is Jim McCarty and Friends. A collection of blues played with different musicians, in some of the traks i also play with a Horn section.”
What are you doing now?
“ Right now i am going through an hard time. Rick Stel, my friend and guitar player with Mistery Train for more than 20 years just died of cancer. For me that’ s a very hard blow, we were really close musicians and friends. From now on i think that band will be more on a blues path. We have some live shows coming with Cactus and some new material ready to be recorded as soon as possible. You know, this is not an easy time for music today. Club owners only care about how many drinks they can sell, they don’t give a shit if the band is good or not. Internet completely changed the way people listen to music. The entire music industry that i grew up with, dosen’t exist anymore, that’s for sure. Things always change, nothing is forever. And me…Well, i play guitar, i don’t give a shit, this is what i came for and this is what i will always do! I know, sometimes it can be hard and frustrating, but i keep on playing.”
Qualche mese fa la groupie mi dice: “Tyrrell, in maggio vengono gli YES in Italia. Prendo i biglietti!”. Pochi giorni dopo vengo a sapere che l’intrepida reggiana dagli occhi di ghiaccio li ha acquistati direttamente sul sito ufficiale del gruppo nella versione deluxe, ossia il MEET& GREET package. 200 euro a biglietto. Sobbalzo, ma poi mi dico che se avessi avuto la possibilità avrei fatto lo stesso per ELP, BAD CO o FIRM. Gli YES sono gli YES, seppur in formazione rimaneggiata, e la groupie, convinta Yeshead, non bada a spese. Sabato pomeriggio: dopo una mattina di badanataggio da Brian, verso le 16 saliamo sulla blues mobile northbound. Autostrada del sole e poi la Bologna-Padova. E’ una bella giornata, sul car stereo QUADROPHENIA deluxe edition. Usciamo dall’autostrada e poco dopo, d’improvviso, eccoci al GRAN TEATRO GEOX di Padova. Visto da fuori non sembra un granché, anche perché è sito in una zona industriale non certo bella. Siamo tra i pochi avventori già arrivati sul posto. Mancano più di due ore all’apertura dei cancelli, ma inspiegabilmente passano velocemente. Un paio di panini, una coca, tabletaggiamenti, una passeggiata, un’occhiata ai prog fans: bravi ragazzi col borsello e maglietta di THE YES ALBUM infilata per bene dentro ai jeans a vita altissima con scarpe da zio Fedele, anziani hippie simil Jerry Carcia vestiti così male che in confronto lo zio Fedele sembra una rockstar, maturi prog lover all’apparenza mansueti ma pronti a farsi saltare in aria al grido di “Tales From the Topographic Oceans forever!”
Gran Teatro Geox, Padova (foto di TT)
Insieme alla groupie rifletto sul fatto che PADOVA è ormai diventata la capitale italiana del rock: tra lo stadio, il teatro Geox e Piazzola sul Brenta ormai tutti si fermano qui. Che tristezza pensare a REGGIO e MODENA, un tempo vive e palpitanti da questo punto di vista, e ora ormai escluse dal giro che conta. Un po’ di jazz, Ligabue e i Jethro Tull (band che per qualche euro verrebbe a suonare anche nel giardino di casa tua)… che noia, che mortorio!
Concerti a Padova summer 2014
Davanti ai cancelli saremo in 20 con l’email esplicativa del sito ufficiale degli YES, quindi col pacchetto MEET&GREET. Verso le 20 entriamo. Tutti sono un po’ smarriti nel cercare di decifrare l’email di cui sopra e quindi nel cercare il responsabile che ci guiderà attraverso il processo MEET&GREET. Io entro, mi guardo in giro un secondo e deciso avanzo verso il tavolino su cui sta seduto l’unico che può essere il tipo che cerchiamo. “Alan?” “Yeah, that’s me”. La groupie mi guarda esterrefatta …“ma come hai fatto a capirlo subito?”... faccio un po’ il figo “with Tim Tirelli you can never go wrong, baby…”. Alan ci consegna il laminato per l’incontro post concerto, due t-shirts, due foto, due poster. E’ molto gentile e affabile, parla in un inglese comprensibile, e tiene l’Inter (no dai, questa me la sono inventata). Se dall’esterno il Teatro Geaox non sembra un granché, all’interno la prospettiva cambia radicalmente. Struttura ad arco autoportante ma elegante e dotata di ogni comfort tra cui grandi ed eleganti servizi igienici. Capacità di 2500 posti, poltroncine, ottima organizzazione, servizio d’ordine attento. Siamo in seconda fila, esattamente davanti a dove starà STEVE HOWE. Mica male. Sento telefonicamente Frank, vecchio cuore zeppeliniano. E’ a un matrimonio, ma riesce a liberarsi e a 10 minuti dall’inizio trova l’ultimo biglietto disponibile ed entra.
Gran Teatro Geox, Padova – foto di Saura Terenziani
Gli YES, o meglio quel che resta degli YES, entrano poco dopo le 21,30. Oh, vedere STEVE HOWE a pochi metri è un’emozione, così come osservare l’imponente figura di CHRIS SQUIRE. Alla fine anche la presenza di ALAN WHITE e GEOFF DOWNES non è cosa da poco. Alla voce, il sostituto del sostituto di JON ANDERSON, JON DAVISON. Lo spettacolo che portano in tour si basa su tre album della band: CLOSE TO THE EDGE, GOING FOR THE ONE e THE YES ALBUM. Partire col pezzo CLOSE TO THE EDGE è da pazzi ma loro lo sono. L’esecuzione è un po’ meccanica, poca comunicazione tra musicisti. STEVE HOWE tira un po’ indietro. Intendiamoci, non è che la musica degli YES sia particolarmente viscerale, cerebrale semmai, ma forse suonare a freddo un pezzo così non è il massimo, soprattutto se sei un ultrasessantenne. L’impressione rimane la stessa per AND YOU AND I e SIBERIAN KHATRU. Sembra manchi l’anima e che l’aspetto “business” abbia preso il sopravvento.
YES a PADOVA 17/05/2014 – Steve Howe e Geoff Downes (foto di Saura Terenziani)
Con GOING TO THE ONE la band pare prendere le misure, tutto è più fluido, più vero. Guardo STEVE HOWE e spesso rimango a bocca aperta. Si vede che ha 67 anni, che è un goccio più legnoso dei giorni d’oro, ma rimane un chitarrista S T R A O R D I N A R I O. Alla sua età suonare delle parti così è una cosa davvero notevole. Che dire poi di CHRIS SQUIRE, uno dei bassisti più talentuosi di sempre? La semplicità con cui suona è disarmante, con quelle sua dite ormai grassottelle continua a fare quello che vuole su quella tastiera. E non sto parlando di tecnica, che se fine a se stessa è la morte della musica, ma di capacità di saper dire delle cose, anche con il basso, anche in pezzi a volte astrusi. Nelle sue frasi c’è sempre una componente melodica che mi affascina completamente. SQUIRE è una presenza fisicamete imponente, è grosso più che grasso. Insieme a WHITE e a DOWNES formano un trio molto massiccio a supporto di due musicisti pelleossa come HOWE e DAVISON. Essendo smilzo, mi sono sempre immedesimato in STEVE HOWE e anche adesso che l’ho lì davanti mi dico che tra qualche lustro, quando avrò la sua età, finirò per diventare un uomo come lui, e questo non mi dispiace per niente. Con AWAKEN si chiude la parte dedicata all’album del 1977 e inizia un intervallo di 20 minuti. Frank ci raggiunge e per 20 minuti chiacchieriamo fitto fitto.
YES a PADOVA 17/05/2014 CHRIS SQUIRE (foto di Saura Terenziani)
La band ritorna, è il momento di THE YES ALBUM e le gambe iniziano a tremare. Sì lo so, è scontato amare soprattutto quest’album, ma che ci posso fare… sono entrato a contatto con gli YES grazie ad un cassetta fatta da un amico nella seconda metà degli anni settanta e in quella cassetta, oltre ad un disco dei PENTAGLE, c’era appunto THE YES ALBUM. Termina YOURS IS NO DISGRACE e inizio a tremare, immagino sia il momento di THE CLAP… qualcuno porta una sedia e una chitarra acustica, HOWE si siede e imperterrito inizia a suonare uno dei più bei strumentali per chitarra acustica della musica rock: THE CLAP.
Immobile, contemplo STEVE HOWE alle prese con una esecuzione impeccabile. Sento un formicolio in tutto il corpo. Oh satana, quanto amo quest’uomo! Sì perchè HOWE non è un tipetto facile, sul palco non lo vedi quasi mai sorridere, è ombroso, poco incline a socializzare, altezzoso ma in maniera molto naturale, uno che sul palco, senza scomporsi, grida “Fuck you” al tecnico delle luci che lo acceca con un faretto… mi ci ritrovo in questo musicista magrissimo, con la sola differenza che – sulla chitarra – ho un milionesimo del suo talento. Peccato.
YES a PADOVA 17-05-2014 “THE CLAP” – STEVE HOWE (foto di Saura Terenziani)
STEVE si prende gli applausi scroscianti, accenna ad un inchino col capo. Con STARSHIP TROOPER il fan che abbiamo seduto accanto si tradisce e inizia a scomporsi. Ha l’aria di essere un bancario o qualcosa del genere, in quella twilight zone tra i 50 e i 60 anni. Non emette un gemito, ma inizia a piegare freneticamente il busto in avanti e indietro, come fosse una persona con seri problemi.
Con I’VE SEEN ALL THE GOOD PEOPLE mi scappa da piangere. Sì, lo so, è uno dei loro pezzi memorabili, piace a tutti etc etc… ma mi commuovo ugualmente. Nostalgia, malinconia… rivedo il Tim ragazzino ascoltare da un vecchio mangianastri questa musica meravigliosa che mi colorava il presente mentre mi sentivo titanico dinnanzi al futuro. Da sottolineare i cori di HOWE e SQUIRE: qui, come in parecchie altre occasioni durante il concerto, sono stati pressoché perfetti. Che maestria. Parte poi A VENTURE e il fan di fianco a noi entra in orbita. Una cosa tutta sua, silenziosa, non esplicita ma si capisce benissimo che dentro di lui c’è un vero e proprio big bang in atto. I fan del prog sono davvero… particolari, diciamo così.
YES A PADOVA 17/05/2014: STEVE HOWE, GEOFF DOWNES, CHRIS SQUIRE – (foto di Saura Terenziani)
PERPETUAL CHANGE è probabilmente il mio pezzo degli YES preferito e sentirlo da vivo, in quella bella situazione mi riempie l’animo di vibrazioni positive.
YES a PADOVA 17/05/2014 (foto di saura Terenziani)
ROUNDABOUT è il bis, ottimo modo (seppur non originalissimo) di chiudere il concerto. Concerto che alla fine si è rivelato molto buono. HOWE e SQUIRE su tutti naturalmente, ma niente male anche GEOFF DOWNES, ALAN WHITE e JON DAVISON.
Si accendono le luci e i sorrisi, bel concerto, bella musica, belle sensazioni.
Come da accordi, ci raggruppiamo alla dx del palco per il MEET & GREET. Alan ci ragguaglia su come avverrà la cosa, prima le foto poi gli autografi. Ci dice che STEVE HOWE non dà la mano a nessuno, che non firma strumenti musicali e che non risponde a domande. SQUIRE invece è disponibile a raccontare qualche aneddoto. Uno crede di essere un fan navigato, di saper gestire certe situazioni… fino a quando poi non si trova a tu per tu con gruppi tipo gli YES. Tocca a noi: ci avviciniamo e, benché più che un gruppo di rockstar sembri un gruppo di tipografi avanti con gli anni in libera uscita il venerdì sera, ti senti perlomeno un po’ strano lì a tu per tu con loro. La groupie senza tanti problemi chiede, in un inglese reggiano, a CHRIS SQUIRE se puo’ farsi la foto vicino a lui. CHRIS ride, le risponde “sure” e aggiunge un “buonasera”. Io vorrei stare vicino a STEVE HOWE, lo guardo un attimo, è impenetrabile… meglio non rischiare e affidarsi alla disponibilità di DAVISON e WHITE. Finita la photo session si siedono in fila davanti ad un paio di tavolini, pronti a firmare qualsiasi cosa. Mi chiedo come debbano sentirsi DOWNES e DAVISON a firmare copertine degli album degli anni settanta della band. Io e la groupie ci facciamo firmare i poster e le foto relative a questo tour, ci sembra la cosa più onesta e logica da fare.
Vorrei chiedere qualcosa a SQUIRE, magari non le solite cose da fan degli YES, così parto col chiedergli se ricorda per caso qualcosa delle studio sessions fatte nel 1981 con Jimmy Page (insieme ad Alan White per il progetto XYZ, mai andato in porto), ma CHRIS è intento a parlare con la groupie , le chiede come si dice buonanotte in italiano visto che lui conosce solo buonasera. La groupie è lì che ride con lui, quindi intervengo io e spiego a Chris che si dice Buonanotte. Chris chiede alla groupie se le è piaciuto il concerto, e lei “Amazing!“, lui di rimando le risponde in inglese ” in qualche momento, forse…” e ridendo le augura “Buoninotte!”
Io cerco di dare qualche soddisfazione ai tre meno acclamati: “Nice job, Geoff”, “Good gig Alan” “Good Job, Jon, bravo!” Mi rispondono con garbo e, credo, contenti. L’ultimo è STEVE HOWE… che cavolo dici ad uno come STEVE HOWE in due secondi? “It’s been a pleasure, Steve, and an honour to be here with you. Thanks for being Steve Howe”. Steve mi sorride e mi dice “Thank you Tim Tirelli, your blog is very cool”... questo nella mia testa, perché in realtà mi dice solo “Thank you”, e mi sorride convinto. Poco importa se è un sorriso di circostanza, mi basta, mi avanza e mi fa contento.
Gli YES, l’uomo di blues e la groupie – da sx a dx STEVE HOWE, JON DAVISON, TT, ALAN WHITE, GEOFF DOWNES, la groupie, CHRIS SQUIRE (foto di Alan)
Ringrazio Alan della gentilezza e usciamo. E’ l’una e trentacinque circa… il teatro è ormai vuoto, il parcheggio anche, lasciamo Padova in tutta tranquillità. Ci immettiamo sulla MILANO-VENEZIA e poi sul BRENNERO. La blues mobile rolla serena sui 150kmh, la sera è magnifica, la groupie è ancora in visibilio anche perché RICK WAKEMAN sarà a fine mese a SCHIO e forse riusciamo a prenotare due biglietti… Arriviamo alla domus saurea dopo le tre. Qualche coccola a Palmiro, qualche ultimo pensiero al concerto ed è ora di andare a letto, felici. PADUA, good night.
PS: STEVE HOWE IS GOD.
Scaletta concerto Yes Padova 17-05-2014 The Firebird Suite (Igor Stravinsky)
Close to the Edge Close to the Edge And You and I Siberian Khatru
Going For The One Going for the One Turn of the Century Parallels Wonderous Stories Awaken
The Yes Album Yours Is No Disgrace The Clap Starship Trooper I’ve Seen All Good People A Venture Perpetual Change BIS Roundabout
ENGLISH VERSION:
A few months ago the groupie says,” Tyrrell, in May YES will play Italy. I’ll get the tickets.” A few days later I learned that the intrepid ice-eyed girl from Reggio Emilia bought them directly on the official website of the group in the deluxe version, which is the MEET & GREET package. 200 euro per ticket. I was taken aback by the price, but then I told myself that if I had the chance, I would have done the same for ELP, BAD CO or THE FIRM. YES is YES, albeit in a restructured line-up, and the groupie, as a dedicated Yeshead, spared no expense.
Saturday afternoon: After a morning of caring for my father Brian, we are northbound in my blues mobile. While driving on the Highway thru a beautiful day, we listen to QUADROPHENIA deluxe edition. We leave the highway and suddenly, here we are at the Gran Teatro Geox in Padua. From the outside it does not look like much because it is located in an industrial area that is certainly not beautiful. We are among the few fans that have already arrived on the spot. It’s less than two hours to the opening of the gates, but inexplicably, we pass through quickly. After a couple of sandwiches, a Coke, Tableting away, we took a short walk. I looked at the prog fans: all nice guys with messenger bags and t-shirts for THE YES ALBUM tucked well inside their high-waisted jeans. Old hippies who looked like Jerry Garcia and wearing clothes so bad in comparison, uncle Fedele looks like a rock star. I saw mature prog rock lovers seemingly meek, but ready to blow themselves up to the cry of “Tales From the Topographic Oceans forever!”
Together with the groupie, I reflected on the fact that PADUA has now become the capital of Italian rock: the stadium, the theater Geox and Piazzola sul Brenta — every rock star now seems to hit the city. How sad to think of Reggio Emilia and Modena, at one time living and benefitting from this vantage point. Now they are excluded from the tours that count. A bit ‘ of jazz, fucking Ligabue and Jethro Tull ( the band that would play for a few Euros in the garden of your house ) … what boredom, what a funeral! We are now in front of the gates with other 20 fans with emails in our hands sent from the official YES website for the MEET & GREET package. Around 8 pm, we enter. All of us are a bit lost in trying to decipher the email and then to look for the manager who will guide us through the MEET & GREET process. I go in, look around and decided in a second to head to the table where sits the only one who can be the man we seek. “Alan ? ” ” Yeah , that’s me.” The groupie looks at me aghast … “but how did you know?” … I joke: “with Tim Tirelli, you can never go wrong, baby… ” Alan gives us the laminate for the meeting after the concert, two t -shirts , two photos, two posters . He is very kind and affable, speaks in an understandable English , and supports FC Inter (no, come on, this I have invented).
If outside the theater Geaox doesn’t look like much, from within the perspective changes radically. Self-supporting arch structure, but elegant and equipped with all comforts including large and elegant bathrooms . Capacity of 2500 seats, chairs, excellent organization, attentive service order. We are in the second row, right in front of STEVE HOWE. Not bad. I speak with Frank (himself a Phreak) by phone. He is at a wedding, but at 10 minutes from the start, arrives and finds the last available ticket and enters. The show is sold out.
YES, or rather what remains of YES, comes on shortly after 21.30 . Oh, to see STEVE HOWE only a few meters away is emotional for me, as well as observing the imposing figure of CHRIS SQUIRE from so close. Eventually even the presence of ALAN WHITE and GEOFF DOWNES is not a trivial matter. Performing under the heading, “substitute of the substitute of JON ANDERSON,” is JON DAVISON. The show that opens the tour is based on complete performances of three albums: CLOSE TO THE EDGE, GOING FOR THE ONE and THE YES ALBUM . Starting with the piece CLOSE TO THE EDGE is crazy but, after all, they are kinda crazy. The execution is a bit mechanical with poor communication between musicians. STEVE HOWE pulls a little back (musicians will understand what I mean). Mind you, the music of YES is not especially visceral, it’s cerebral, but maybe to start with a complicated piece like this is not the best idea, especially if you are well over 60. The impression remains the same for AND YOU AND I and SIBERIAN KHATRU. Seems to miss the soul and that the appearance of “business” has taken over. With GOING TO THE ONE, the band seems to take the necessary steps, and everything is more fluid, more true. I look at STEVE HOWE and remain open-mouthed. It is obvious from his appearance that he is 67 years old, and he is a touch more stiff on the guitar, but he remains a guitarist EXTRAORDINAIRE. At his age, to play the parts, it’s really remarkable. What can be said of CHRIS SQUIRE, one of the most talented bass players of all time? The ease with which he plays is disarming, with those fat fingers he continues to do what he wants on the neck of the bass. And I’m not talking about technique (an end in itself and the death of music), but of ability to say things, even during parts sometimes obtuse. In his licks there are always a melodic component that fascinates me completely. SQUIRE is an imposing presence, he is more big than fat. Along with WHITE and DOWNES, he forms a formidable trio in support of other two skinny musicians HOWE and Davison. Being thin myself, I’ve always identified with STEVE HOWE and even now that I am here in front of him, I guess that when I am his age, I will look like him and I do not mind at all . AWAKEN closes the 1977 album and began an interval of 20 minutes.
Frank joins us and we chat for 20 minutes.
The band returns , it’s time for THE YES ALBUM and my legs begin to tremble. Yes I know, it is obvious I especially love this album, but what can I do… I came in contact with YES thanks to a cassette made by a friend in the second half of the 70s and the cassette with one side Pentangle and THE YES ALBUM on the other side. At the end of YOURS IS NO DISGRACE, I start to shake, I guess it’s time for… THE CLAP; someone brings a chair and an acoustic guitar, HOWE sits and undaunted starts playing one of the most beautiful acoustic guitar instrumentals of rock music. I stand still as I contemplate STEVE HOWE …a flawless execution. I feel a tingling throughout the body. Oh sweet Satan , how I love this man ! Yes, because HOWE is not an easy little chap, on stage he almost never smiles, it’s shady, disinclined to socialize, haughty but in a very natural way, without getting upset yelling “Fuck you ” to the lighting technician that blinds him with a spotlight. I find myself aligned with this skinny musician, with the only difference that – on guitar – I have a millionth of his talent. What a pity!.STEVE takes the applause and bows his head a little.
STARSHIP TROOPER begins and the fan who sits next to us starts to break down. He looks to be a bank clerk or something, in that twilight zone between 50 and 60 years old. He does not emit a groan, but frantically starts to bend his upper body forward and back, like a person with serious problems. Then I ‘VE SEEN ALL THE GOOD PEOPLE begins and I start to cry. Yes, I know, it’s one of their memorable pieces, everyone likes it etc., etc. … but I still get emotional. Nostalgia, melancholy … I see the little boy Tim listening to an old tape of this wonderful music that colored his present while he felt titanic sized emotions towards the future. To underline the backing vocals of HOWE and SQUIRE: here, as in several other occasions during the concert , they were almost perfect. That mastery.
A VENTURE starts and then the fan next to us comes into view. He is at one with the music, it is all its own for him, quiet, not explicit but we understand very well that inside him there is a real big bang in place. Fans of prog are really…particular, so to speak. PERPETUAL CHANGE is probably my favorite piece of YES and to listen to it in a live situation fills my soul with positive vibes. ROUNDABOUT is the encore, a great way ( though not original ) to close the concert – a concert hat eventually turned out to be very good. HOWE and SQUIRE overall of course, but also GEOFF DOWNES, ALAN WHITE and JON DAVISON did good things The house lights came on and the smiles too. Good show, good music, good feelings .
As agreed , we group together to the right of the stage to the MEET & GREET . Alan briefs us on how it will happen: first the photos, then the autographs. He tells us that STEVE HOWE does not shake hands with anyone, he does not sign musical instruments and he does not respond to questions. SQUIRE is available instead to tell some anecdotes . One thinks he’s a sailed and experienced rock fan ,one thinks he knows how to handle certain situations … until you succeed to find yourself face to face with groups such as the YES.
It’s our turn, and we approach: even though they are a group of rock stars, they look more like a group of punters out on the tiles on a Friday evening. You feel at least a little strange being face to face with them. The groupie without much trouble asks, in an Emilian English, CHRIS SQUIRE if she can get a picture next to him. CHRIS laughed, and replied “sure” and added a ” buonasera.” The groupie is a great bass player and CHRIS SQUIRE (and John Paul Jones) is one of her heroes. I would like to stay close to STEVE HOWE, but when I look at him for a moment, he is impenetrable. Better not to risk annoying him, and rely on the availability of Davison and WHITE. After the photo session, the sit in a row in front of a couple of tables, ready to sign anything. I wonder how DOWNES and DAVISON must feel to sign album of the seventies of the band. Me and other groupies now have signed posters and photos from this tour, it seems to us the most honest and logical things to do. I would like to ask something to SQUIRE , maybe not the usual things as a fan of YES, so I start with asking him if he remembers something of the studio sessions for the case made in 1981 by Jimmy Page ( with Alan White for the XYZ project) but CHRIS is intent on chatting with the groupie. He asks how you say good night in Italian because he knows only good evening . The groupie is then laughing with him, then I intervene and explain to Chris that “good night” is “buona notte.” Chris asks the groupie if she liked the concert, and she said ” Amazing! ” He replied back in English, “something, maybe… ” and laughing wishes her, ” Buoninotte!” (in broken Italian) I try to give some satisfaction to the three less acclaimed by saying, “Nice job, Geoff,” and “Good gig, Alan” and “Good job, Jon, bravo!” The last one is STEVE HOWE … what the hell you say to someone like STEVE HOWE in two seconds? “It’s been a pleasure, Steve , and an honor to be here with you . Thanks for being Steve Howe.” Steve smiles at me and says, ” Thank you Tim Tirelli , your blog is very cool” … This is all in my head, because he actually just says, “Thank you,” and smiles at me convinced. It does not matter if it’s a polite smile, it is enough for me. I move forward and it makes me happy….
I thank Alan for his kindness we leave. And ‘one thirty-five about … the theater is now empty, the parking lot also, we leave Padua easily. We head for the Milan-Venice highway and then on the BRENNERO one. The blues Mobile rolls on 150kmh, the night is magnificent, the groupie is still in raptures because RICK WAKEMAN (her ultimate god of rock) will be later this month in SCHIO (VICENZA) and we have just bought two tickets
We arrive at the domus saurea after 3 am. After a cuddle with our cat Palmiro, we talked some more about the gig and then it is time to go to bed, in a happy mood. PADUA, good night.
Quante versioni bootleg di questo concerto esistono? Decine? Centinaia? D’altra parte quando si mescolano i tre ingredienti essenziali, vale da dire LED ZEPPELIN, MIKE MILLARD e LA FORUM, il risultato è inevitabilmente qualcosa di succulento, malgrado i LZ modello latter days non fossero certo impeccabili. Eppure in quelle sei date losangeline del giugno del 1977 il dirigibile tornò a volare alto, il California sunlight, la vibrazione della città, l’atmosfera del Forum sortirono un effetto magico sul gruppo e sul mood in generale tanto che i LZ suonarono come il demonio comanda. Mike Millard registrò 4 di quelle serate col suo equipaggiamento di ottimo livello (per gli anni settanta) e la conseguenza fu che in particolare le serate del 21 e del 23 vennero catturate su nastro in maniera perfetta (ricordo che stiamo parlando di registrazioni audience), diventando la fonte originaria di due bootleg leggendari LISTEN TO THIS EDDIE (21/6/77) e FOR BADGE HOLDERS ONLY (23/06/1977). Avendo già la versione di EDDIE EDWARDS (THREE HOURS OF LUNACY) mi sentivo al sicuro ma poi quasi per incanto si è rifatto vivo il leggendario WINSTON, uno che con i suoi remasters ha fatto un gran bene al mondo LZ, con una nuova produzione in questo inizio di 2014.
TITLE: Led Zeppelin LA Forum 6-23-1977 – Tribute series Mike The Mike
Winston continua dunque la sua TRIBUTE SERIES MIKE THE MIKE, rimasterizzando questo concerto utilizzando le migliori fonti disponibili (per i primi pezzi ha usato il vinyl transfer fatto qualche anno fa da EDDIE EDWARDS). Io, sempre sensibile agli upgrade, non ho esitato a scaricare anche questa versione. Il concerto lo conosco piuttosto bene, quindi mi sono soffermato sui brani che preferisco ascoltare. In primis, SINCE I’VE BEEN LOVING YOU. Che colpo che ricevo ogni volta che sento questa versione, che BONHAM supersonico che c’era nel tour del 1977 e a Los Angeles in particolare. Pesante, greve eppur così dinamico…negli ultimi secondi suona una delle sue figure di batterie che mi fanno impazzire, sentire queste sue cose ritmiche mi da sempre un gran godimento, come scopare BEBE BUELL …
Bebe Buell
Bebe Buell & Jimmy Page
NO QUARTER nel 1977 durava 30 minuti, duranti i quali la musica creava suggestioni spaventose, passaggi a nord ovest nelle anime degli spettatori, proiezioni cosmiche in versione musicale delle paure ataviche dell’essere umano. Sì, lo so, sono un fan dei LZ in senso strettissimo, mi lascio trasportare, ma sfido qualunque amante della musica rock a mettersi in cuffia ad ascoltare a buon volume questa versione e a non provare brividi…
Nel 1977 il pezzo conteneva, oltre che alla solita improvvisazione al piano di Jones, anche uno stralunato e bizzarro rock and roll/boogie. In questa serata questo divertissement ha un andamento piuttosto bluesy ed è portato avanti con professionalità accettabile, cambi d’accordo assennati, stacchi rispettati, chiusura dignitosa (non si può dire lo stesso di parecchie altre date del tour del 1977). Pur rimanendo un episodio discutibile all’interno di un brano pieno di oscurità, l’incedere bluesy del 23/6 sostenuto con l’anima un po’ scordata, s’intona tutto sommato piacevolmente col mood di NO QUARTER…
TEN YEARS GONE per il Page del 1977 non era un pezzo semplice da suonare, riassumere le sei chitarre della registrazione da studio con una Telecaster con lo stringbender era un compito troppo arduo per un chitarrista non più in controllo del proprio strumento, tuttavia questa è una delle migliori esibizioni di questa canzone che tanto, tanto, tanto amo…
Mai sentita una STAIRWAY TO HEVEN così violenta e piena di furore. Mi riferisco alla seconda parte, quella dell’assolo di chitarra e della parte finale. BONHAM è in gran vena: improvvisa, non sta fermo un momento, butta la mano, rischia, e in buona sostanza spinge il gruppo verso l’estasi interpretativa. Ho i brividi quando ascolto JOHN HENRY BONHAM in questo mood particolare…
Tutto il concerto in ogni caso è di ottimo livello, Page perde la concentrazione solo nel finale (ROCK AND ROLL). A mio parere questa nuova edizione WINSTON REMASTERS è una delle due da avere.
WINSTON NOTES:
Led Zeppelin
The Forum, Inglewood, California
June 23rd, 1977
Audience
Taper Mike Millard
Main – Lineage: Master>HiFi VHS>Remaster
First 4 Songs and Patching – EE Vinyl Transfer
Trampled Underfoot – 1st Gen Cassette>Flac>Remaster
Consent was given for all sources used – Thanks to those Guys !!
Title: Mike the Mike
Winstons Disclaimer: Remastering is just a Hobby.. take it and enjoy or just pass on it.
The choice is yours. This version is never meant to be definitive.
Sources Digitally Enhanced with Various Audio Programs.
Please Note: Major unfixable Millard Marking on Trampled Underfoot HiFi-VHS source 4 min channel drop
That is why Trampled Underfoot is from a different transfer
CD 1
01. The Song Remains the Same
02. Sick Again
03. Nobodys Fault But Mine
04. Over the Hills and Far Away
05. Since Ive Been Loving You
06. No Quarter
CD 2
01. Ten Years Gone
02. Battle of Evermore
03. Going to California
04. Black Country Woman
05. Bron-Y-Aur Stomp
06. White Summer
07. Black Mountainside
08. Kashmir
09. Trampled Underfoot
CD 3
01. Over the Top
02. Guitar Solo
03. Achilles Last Stand
04. Stairway to Heaven
05. Whole Lotta Love
06. Rock and Roll
Please Bootleggers DO NOT SELL IN ANY FORMAT – Keep it Free
Please DO NOT mp3
Please DO ENJOY!!
*Artwork is Included
Winston Remasters
ENGLISH TRANSLATION
Bootleg Review: For Badgeholders Only, Los Angeles, June 23, 1977 – Winston Remaster
I know what you’re thinking. “How many bootleg versions of this show exist? Tens? Hundreds?” It’s a legitimate question, but when you mix the three essential ingredients, LED ZEPPELI, MIKE MILLARD and THE LA FORUM, the result is inevitably something succulent, even if Latter Days live Led Zeppelin was far from flawless. Yet in those six LA dates in June of 1977 the blimp returned to fly high, the California sunlight , the vibration of the city, and the of the Forum had a magical effect on the group and on the mood in general. LZ sounded like they were following the devil’s command. Infamous show taper Mike “The Mike” Millard recorded 4 of those evenings with his excellent level of equipment (for the 70s ), and the results, in particular, the evenings of June 21 and 23, were captured on tape in a perfect way (remember that we are talking about audience recordings ) and became the primary source of two legendary bootlegs LISTEN TO THIS EDDIE ( 21/06/77 ) and FOR BADGE HOLDERS ONLY ( 23/06/1977 ). Having already reviewed the version engineered by the genius EDDIE EDWARDS (THREE HOURS OF LUNACY ) and considering it the definitive version, I didn’t think a better recording could be had, but then as if by magic the legendary WINSTON shared a new production at the beginning of 2014.
With this release, Winston Remasters continues its TRIBUTE SERIES MIKE THE MIKE by remastering this show using the best available sources (for the first few songs, he used the vinyl transfer done some years ago by EDDIE EDWARDS ). I am always on the lookout for upgrades, so I did not hesitate to download this version. I know the concert well , so I focused on songs that I prefer to hear again and again. First I listened to SINCE I’VE BEEN LOVING YOU. What a shock that I get every time I hear this version, which features the supersonic BONHAM who was in great form during the tour in 1977 and Los Angeles in particular. Heavy and yet so dynamic … in the last seconds of the song the playing of one of his rhythmic figures make me crazy. Hearing these things always gives me a great pleasure, like a fuck with BEBE BUELL.
NO QUARTER 1977 lasted 30 minutes, during which the music created scary suggestions, northwest passages in the souls of the spectators, cosmic musical projections of the atavistic fears of the human beings. Yes, I know, I’m a fan of LZ in the narrow sense, and I get carried away , but I defy any lover of rock music to put on headphones and listen at good volume and not have chills. …
In 1977, the piece contained, in addition to the usual piano improvisation, also one dazed and bizarre rock and roll / boogie section. During this show, that section developed into something quite bluesy and is carried out deftly with wise chord changes, pauses respected, dignified closure (you can not say the same for several other tour dates of 1977). While remaining a controversial episode within a track full of darkness, the june 23’ rendition with a bluesy pace was supported with the soul a bit out of tune, but overall blends in nicely with the mood of NO QUARTER …
TEN YEARS GONE was not an easy piece to play for the 1977 PAGE. He had to summarize the six guitars of the studio recording with a Telecaster with the stringbender, which was a task too difficult for a guitarist no longer in full control of his instrument. Having said that, this is one of the best live performances of a song I love so much.
I’ve also never heard a STAIRWAY TO HEAVEN so violent and full of rage. I refer to the second part, the guitar solo and the final part. When BONHAM ‘s musical vein was at the top. He improvises, never stands still for a moment, “throw” his hands, takes risks, and basically pushes the group to an ecstasy interpretation. I shudder when I hear JOHN HENRY BONHAM in this particular mood. From a performance perspective, the concert is excellent in every way, and Page only lost his concentration in the final piece (ROCK AND ROLL). As far as the sound quality, in my opinionthis new edition by WINSTON Remasters is one of the two to be had.
E così il Dark Lord tocca quota 70, cazzo. Sì perché se ne ha settanta lui, significa che anche noi, sui discepoli, non siamo più giovincelli. Noi che adolescenti abbiamo iniziato a seguirlo quand’era poco più che trentenne, abbiamo attraversato le varie fasi della nostra vita con la sua ombra maestosa sopra di noi, lo abbiamo lodato, glorificato, osannato. A lui abbiamo reso grazia, a lui ci siamo rivolti nel momento del bisogno, a lui ancora oggi rivolgiamo la nostra anima.
Ah, caro vecchio Jimmy Page, anzi Poige, con la tua personalità un po’ distorta, con i tuoi riflessi ossessivi-compulsivi, col tuo incedere indolente da rockstar un po’ troppo viziata, con la tua tecnica chitarristica andata a farsi benedire tanti troppi anni fa, sarai comunque un riferimento, un esempio, un sentimento…forever and ever. Ti avremo per sempre nel nostro immaginario personale e collettivo in versione 1973, al Madison Square Garden. Quelle tue movenze, quella tua danza mentre suoni ROCK AND ROLL, i tuoi vestiti, la tua chioma, la tua fighinaggine innata…ma soprattutto la tua musica, la migliore del mondo, i tuoi assoli, i migliori delle galassie, la tua band, la migliore dell’universo. Buon compleanno Jimmy, non hai idea di quanto cazzo tu ci abbia risolto e scombinato la vita. Io e la confraternita degli illuminati del blues ci troviamo questa sera al Katamarano Rock (viale Respighi 147, Modena, Italy) a festeggiarti, se vuoi venire sei il benvenuto…in caso, porta le groupies.
(artwork by Lakerla)
ENGLISH TRANSLATION
And so James Patrick Page, aka the Dark Lord, is now 70. Fuck! I say this because if he is 70 old, it means that we, his disciples, are no longer youngsters. We were teenagers when we first started to follow him and he was in his early 30s. We went through the various stages of our lives with his majestic and demonic shadow hanging over us. We praised him, glorified him. We sang Hosanna to him. We turned to him in time of need. We turned our souls to him.
Ah, dear Jimmy Page, Poige (italian spelling of the London english accent) indeed with your personality a bit distorted, your reflexes off-balance, your rock star sluggish pace a bit too flawed, your guitar technique gone to hell too many years ago. You’ll still be a reference, an example, a feeling … forever and ever. You will live forever in our personal and collective imaginary version of 1973 at Madison Square Garden. Those moves will stay in our minds, especially your dance while you play ROCK AND ROLL. Your clothes, your hair, your innate coolness-charm-spell. But most of all your music, the best in the world, especially your solos, the best in all galaxies, and your band, the best in the universe. Happy Birthday Jimmy, you have no idea what the fuck you’ve solved and messed up in our lives. For myself and the brotherhood of the enlightened man of the blues, we are tonight at pizzeria Katamarano Rock (147 viale Respighi, Modena, Italy) gathering to celebrate you. If you want to come you are welcome … just in case, bring the groupies.
TITLE: Led Zeppelin ” The King’s Of The Stone Age” February 13th, 1975 Nassau Coliseum, Uniondale, New York, USA
LABEL: Empress Valley (#EVSD 597/598/599, 507/508/509 & 166/167/168) / doctored by DADGAD
TYPE: soundboard
SOUND QUALITY: TTTTT
PERFORMANCE: TTTT+
ARTWORK: TTTT
BAND MOOD: TTTT
COLLECTION: TTTT
Nuovo capitolo, come dicevamo, della SOUNDBOARD REVOLUTION: The KING’S OF THE STONE AGE propone per la prima volta il soundboard del concerto dei LZ al NASSAU COLISEUM del 13 febbraio 1975. Per speculare sulla cosa la EMPRESS VALLEY come prima uscita ha previsto questo box set di 9 cd.I primi tre sono relativi alla nuova fonte soundboard della data del 13/02/75 al Nassau Coliseum, i cd 4/5/6 contengono la seconda serata del 14/02/75 sempre al Nassau Coliseum, sempre soundboard (e altro non sono che una copia di ST VALENTINE DAY’S MASSACRE, pubblicato tempo fa sempre dalla Empress Valley), i cd 7/8/9 infine contengono la registrazione audience del concerto del 13/02/75 (e altro non sono che una copia di FIGHTING BACK AT THE COLISEUM pubblicato parecchio tempo fa).
Parleremo solo dei primi tre cd, dunque di questo nuovo bel soundboard della data del 13 febbraio 1975. La versione che vi propongo è quella “medicata” da DADGAD, una ledhead italiana con grandi capacità di remastering (e non solo). Sembra infatti che la versione ufficiale della EMPRESS VALLEY sia brickwalled, cioè “murata”; questo significa più o meno che ogni onda sonora è stata pompata così tanto da oltrepassare la soglia 0.0, soglia oltre la quale il suono distorce e si contorce. DADGAD ha cercato di rimediare la cosa e la sua versione sembra essere davvero più morbida, rendendo l’ascolto assai piacevole.
Ho ascoltato il concerto due volte, magari esagero, ma oserei affermare che questa è la migliore registrazione soundboard del 1975 relativamente alla performance del gruppo. Al momento è davvero la mia preferita. PLANT è ancora alle prese con i noti problemi di voce del tour in questione, ma il chitarrismo PAGE per una volta è fluido e coerente; davvero una piacevole sorpresa.
Il disco uno fila via liscio, sebbene sia quello in cui PLANT fatichi di più; in TSRTS PAGE è davvero pulito e la band fila sicura come un treno lanciato a gran velocità. Anche in questa data PLANT presenta IN MY TIME OF DYING come primo pezzo tratto dal nuovo album PHYSICAL GRAFFITI…bizzarra questa cosa, SICK AGAIN è il secondo pezzo in scaletta…sembra che ROBERT non lo consideri come un brano del nuovo album (per l’epoca). In RAIN SONG e in KASHMIR la voce di RP inizia a scaldarsi, così diminuiscono le volte in cui sembra un vecchio galletto con la raucedine.
NO QUARTER è davvero buona, forse la band non raggiunge profondità siderali come in altri momenti del 1975, ma tutto è più preciso e a fuoco. Tra il minuto 12 e il 13 però si inizia comunque a volare alto; incredibile il disegno che JONES tiene con la pedaliera basso mentre con le mani suona cose mica semplici… che razza di musicista. L’assolo di chitarra di TRAMPLED UNDERFOOT non è ispiratissimo, ma dopo venti e più minuti di improvvisazione ispirata su NO QUARTER è comprensibile un certo svuotamento. Più preciso del solito PAGE in MOBY DICK. BONHAM è sempre BONHAM, in tutto il concerto.
JPJ & JP al nassau Coliseum 13 feb 1975
Non male RP nel disco due con la voce; anzi mi piace davvero. Avrò anche ascoltato troppi bootleg dei LZ, ma quella voce un po’ sfibrata, stanca, rauca e sempre sul punto di spezzarsi ha un fascino particolare, una vibrazione che rimanda a vicende di vita vissuta, una colorazione sofferta che ti arriva all’anima, e allora ti scaldi e ti emozioni, come quando vedi un calciatore di 40anni (magari con una maglietta nerazzurra) fare una sgroppata sulla fascia destra scartando avversari su avversari e lasciare partire un bel cross (su cui magari un connazionale dai lineamenti principeschi poi insacca in rete).
DAZED AND CONFUSED: 41 minuti di musica tenebrosa, profonda, completa. PAGE di nuovo pulitissimo durante l’arpeggio di SAN FRANCISCO, poi – dopo il momento con l’archetto – a capofitto nelle acque torbide. Scariche elettriche, fulmini e sette, visioni dell’inferno…come puo’ un chitarrista mantenere il livello delle improvvisazioni così alto una sera dopo l’altra rimane un mistero. Page produttore, compositore, visionario…è vero..ma Page soprattutto chitarrista solista, senza eguali nel mondo del Rock.
Nassau Coliseum – arena dell’aera di New York che negli anni settanta poteva ospitare 15.ooo spettatori.
La parte finale del concerto è altrettanto a fuoco e ben riuscita, cosa piuttosto strana per i LZ del periodo “orizzonti perduti”. Molto buona STAIRWAY (magari l’assolo di PAGE non il massimo in fatto di ispirazione ma è ben suonato) e ottime WHOLE LOTTA LOVE e BLACK DOG. La sezione di collegamento tra i due pezzi col theremin su ritmo funk è a tratti irresistibile. Curioso come PAGE pasticci sempre l’inizio di WLL. Il riff come sappiamo all’apparenza è semplice, riuscire a renderlo appieno però credo sia difficile, non ho mai, e ripeto mai, sentito qualcuno farlo dal vivo in maniera convincente. Sono solo tre note, posizione chitarristica semplice, eppure manca sempre qualcosa. Certo ci si aspetterebbe che PAGE, l’ideatore, lo suonasse bene, ma…nemmeno lui è capace di darne una versione convincente. Riff maledetto.
COMMUNICATION BREAKDOWN come bis finale suonato insieme a RON WOOD: qualche accordo sbagliato, un po’ di confusione ma tutto sommato una buona versione. WOOD negli anni 1974 e 75 era al massimo delle sue capacità, i suoi interventi dunque sono discreti e ben si amalgamo al pezzo.
JP, Ron Wood e Peter Grant – New York febbraio 1975
Confermo la mia impressione iniziale: questo del 13 febbraio è – ad oggi – il mio bootleg preferito del tour americano del 1975.
ENGLISH TRANSLATION
New chapter of the SOUNDBOARD REVOLUTION: THE KING’S (sic) OF THE STONE AGE offers for the first time the soundboard recording of the LZ concert at NASSAU COLISUEM on February 13 1975. First out of the gate from the Japanese bootleg labels, EMPRESS VALLEY releases as the first edition a 9 cd box set. The first three cds have the soundboard recording of the Feb 13 show, cds 4/5/6 contains the soundboard recording of the second date (feb 14) at Nassau Coliseum (and are a copy of the bootleg ST VALENTINE DAY’S MASSACRE released by EVSD time ago), cds 7/8/9 offer the audience recording of the Feb 13 concert (they are a copy of the bootleg FIGHTING BACK AT THE COLISEUM).
We will discuss only the first three cds and focus on this new beautiful soundboard recording of the feb 13 concert. I recommend that you seek out the edited version by DADGAD, a famous Italian ledhead with remastering skills.The EVSD title is brickwalled, which means that they pumped every sound wave over the 0.0 point. Beyond that point the sound begins to distort and it twists and turns. The DADGAD fellow tried to remedy this situation, and his version sounds smoother and much more friendly on the ears.
I have listened to the show twice and have to say that it is probably my favorite 1975 performance among the other soundboards from this tour. PLANT is still getting stuck in the mud with his vox problems of the 1975 American tour, but PAGE guitar playing is – this time – fluid and coherent; a really pleasant surprise. Disc one rolls along well, even though it’s the one where PLANT struggles the most with his voice. During TSRTS PAGE is clean and the band is like a high speed train. Also here PLANT introduces IN MY TIME OF DYING as the first song from the new album, maybe he does not consider SICK AGAIN a PG track. In RAIN SONG and KASHMIR ROBERT’s voice is more warm.
NO QUARTER is very good. Perhaps the band does not reach the surreal depth of other 1975 American Tour moments, but everything is precise and in focus. Between minutes 12 and 13 you start to fly high anyway; the pattern that JPJ keeps with his feet on the pedal bass while playing another part with his hands is not easy…what a musician. The guitar solo in TRAMPLED UF is not very inspired, but after 20 minutes of guitar improvisation in NO QUARTER, it is understandable. PAGE is more precise than usual during MOBY DICK. BONHAM is always BONHAM during the whole show.
Not bad at all RP on disc two, or rather I must say I like him very much. Maybe I have listened to too many LZ bootlegs, but that voice when it is tired, hoarse and always near to break down point has a particular charm.. It has a vibe taken from real life, a deeply-felt hue that hits your soul, so you get emotions just like when you see a 40-years old footballer doing a sprint along the pitch and then kicks the ball with a cross that reaches the forward player with the features of a prince who will hit the ball with his head for another beautiful goal (FC Inter reference).
DAZED AND CONFUSED: 41 minutes of gloomy, deep and complete music. PAGE is very clean again during the SAN FRANCISCO arpeggio, then – after the Violin Bow section – heads down again into the turbulent waters. Electric hail, thunder and lightning, visions of hell…how a guitar player can maintain the level of improvisations so high night after night is a mystery to me. Page producer, composer, visionary…yeah, that’s true but also, first of all, lead guitarist, like no other in rock music. The final part of the show is well done too, and it happens far too infrequently with LZ of the “lost horizons” era. STAIRWAY is very good, (maybe the PAGE solo is not too inspired butit is well played) and WLL and BLACK DOG are very good.. The link between the two songs with theremin and the funk groove is irresistible in some moments.
It’s curious how PAGE often mess about with the WLL intro riff. It’s a simple riff from appearances but I believe that it’s not easy to make it work in a live situation. I have never seen anybody play that riff in a convincing way. It’s just a three note riff, easy guitar position, but something is always missing. Sure, you’d expect PAGE – the creator – would play it in the right way but even he is incapable of delivering a convincing version. A cursed riff.
COMMUNICATION B is the final encore starring RON WOOD. It’s a jam session…some wrong chords, a bit of confusion but in the end a nice version. In the mid seventies WOOD was at his zenith, and his participation is good.
I confirm my first impression: this is my fave bootleg of the 1975 American return tour od LED ZEPPELIN.
English translation by Tim Tirelli
English medication by Billy McCue (eye thank yew, man)
timtirelli 
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